Cervantes @ MileHighCity

Entrevista con Hilda Hidalgo directora del film "Del amor y otros demonios" (2008) Costa Rica - Colombia

2012-03-10T10:20:00.002-07:00

Fotografía de Olga Paulhiac/ © Aliciafilms y CMO Productions

Hilda, ante todo queremos agradecerte la oportunidad que brindas a Cervantes@Milehighcity, con esta entrevista virtual, en ocasión de tu película participante en el Starz Denver Film Festival 2010:

C@Mhc: ¿Cómo surgen tus primeros contactos con García Márquez? ¿Cómo lograste que te pidiera llevar al cine una de sus famosas novelas?
HH: Del amor y otros demonios me cautivó cuando la leí por primera vez recién publicada en 1994. Siempre me he sentido atraída por esa capacidad que tiene el ser humano de amar más allá de los límites. De amar más allá de las diferencias ya sea de edad o de creencias. Y Del amor y otros demonios cuenta una historia de amor prohibido, subversivo y místico a la vez. Un amor capaz de trascender el tiempo, lo físico o incluso la muerte. Hace unos años en uno de los talleres que impartía García Márquez en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, en Cuba, le comenté que Del amor es una de sus novelas más cinematográficas y que me sorprendía que no la hubieran llevado al cine. Entonces él me dijo que efectivamente la había escrito pensando como si fuera un guión, experimentando con la dramaturgia del guión. Luego me preguntó si me gustaría hacerla. Le dije “Pues claro”. Entonces me dijo, “Pues hágala”. Y aquí estamos.

C@Mhc: Adaptar un guión cinematográfico basado en una novela de Gabo no es tarea fácil ¿Qué crees fue lo más difícil al escribir este guión? ¿Crees que se perdió, o se ganó, contexto durante la adaptación?
HH: Uno de los mayores retos fue plasmar la historia de amor en su justa medida. Encontrar la necesaria dosis de candidez y pasión que surge entre una niña de 13 años y un cura de 36 aprendiendo amar por primera y única vez en sus vidas. Cayetano y Sierva María son personajes singulares; vulnerables en su transparencia y a la vez capaces de una perseverancia valiente. Fue muy hermoso ver cómo Eliza y Pablo se convertían en ellos y se iban compenetrando día a día. Les prestaron alma y cuerpo a los personajes. Las escenas de amor tienen una intensidad diáfana gracias a ellos. Al adaptar esta novela, decidí centrarme en la historia de amor y contarla a través de los ojos de Sierva María. Una vez elegido el punto de vista, el trabajo de guión se encaminó en esa dirección. Por ejemplo, todo el pasado de los padres quedó por fuera. Fue un proceso lento que se extendió por cerca de 3 años (no consecutivos claro! jejeje) y que me llevó a vivir en Cartagena en varios periodos para investigar el pasado colonial y empaparme con la textura y el sabor de la ciudad. Tuve la oportunidad extraordinaria de conversar con expertos, historiadores, arquitectos, políticos y artistas cartageneros, de tener esa vivencia directa de la ciudad y creo que todo eso fue sumando para crear el contexto necesario a la hora de escribir.

C@Mhc: No es difícil imaginar que la preproducción e investigación para esta película fue ardua. ¿Cómo analizaron la lengua que hablaban las nativas afro-caribeñas? ¿Existe aún este dialecto en la costa colombiana?
HH: La investigación que realizamos en Cartagena de Indias para la escritura del guión parecía muchas veces la de un documental! En la novela, la ficción está hilvanada con la Historia de tal forma que a menudo no se distingue dónde empieza una y termina la otra. La casa donde “vivió” Sierva María es en realidad la casa del Marqués de Valdehoyos en la calle de la Factoría, una casa de 4 patios, salones artesonados y hermosos corredores a contraluz. Abrenuncio, el médico portugués que atiende a Sierva María ante la sospecha de rabia, se parece asombrosamente a Juan José Méndez Nieto, un médico portugués que efectivamente vivió en Cartagena en el siglo XVII y del cual encontré escritos originales en la Biblioteca de Cartagena. De la misma forma, los descendientes de los esclavos que la criaron, viven hoy en San Basilio de Palenque, a media hora de la ciudad, hablan su propia lengua y han logrado mantener por más de 3 siglos una cultura original y africana. Tuvimos el honor de poder trabajar con algunos de los talentosos artistas de San Basilio de Palenque en la realización de la película. La lengua que habla Sierva María es propia de ahí y se llama palenquero.

Fotografía de Olga Paulhiac/ © Aliciafilms y CMO Productions

C@Mhc: Definitivamente coincidimos en que la actuación del actor catalán Pablo Derqui fue extraordinaria ¿Qué te convenció al elegirlo para el difícil papel de Cayetano?
HH: Desde la primera prueba de casting, Pablo nos cautivó. Reunía cualidades que eran muy difíciles de encontrar: las de un hombre apasionado por el conocimiento, teólogo y poeta y a la vez un hombre que podíamos creer se iba a enamorar por primera vez en su vida a los 36 años. Pablo lograba esa dualidad y la entendía perfectamente. Fue muy lindo porque una vez elegido para el papel, nos confesó que esta era una de sus novelas favoritas y que hace muchos años cuando la leyó por primera vez fantaseó con interpretarla. Su preparación tuvo varios niveles, desde el estudio de la mística cristiana y de los principales filósofos hasta ensayos actorales más lúdicos y físicos que nos inventamos para descubrir sensaciones a nivel de la piel y las emociones en su estado primitivo.

C@Mhc: Consideramos que el casting (reparto) final de la película es excelente. A pesar de ello ¿Cuáles dificultades tuviste que solventar durante este largo proceso?
HH: El proceso de casting fue efectivamente largo y difícil. En especial el proceso de selección para el personaje de Sierva María –que te comento más abajo-. Y ciertamente el casting como dicen muchos hace el 90% de la película. Uno de los mayores retos era mantener naturalidad en los acentos, queríamos un acento común en los personajes colombianos y optamos por trabajar con actores españoles para los personajes españoles. En el caso de Colombia el proceso estuvo a cargo de Silvia Amaya, en España a cargo de Laura Cepeda y en Cuba, donde buscamos a Sierva María y Caridad (una de las esclavas) estuvo a cargo de Tania Ceballos. Con la guía de ellas, tuve la oportunidad de conocer y trabajar con actores extraordinarios que dedicaron grandes dosis de pasión y compromiso a sus personajes. Hubo mucha mística de trabajo.

C@Mhc: Las secuencias tienen grandes acercamientos, con luz, color y silencios que sumen al espectador en el realismo mágico intencional de las escenas ¿Fue esto parte de lo que quisiste transmitir?
HH: Queríamos hacer una película intimista, que se centrara en lo sensorial más que en lo anecdótico. Donde los elementos visuales y sonoros, como las texturas, el sonido ambiente y hasta la piel ayudaran a contar la historia. Todo se encaminó en esa dirección incluso desde el guión. Y tenemos algunas escenas oníricas enmarcadas eso sí en una película de tono realista. El trabajo de fotografía es del maestro Marcelo Camorino. Con quien tuve una sincronía alucinante, queríamos aprovechar el claroscuro colonial, y crear imágenes cargadas de sensualidad y de gran limpieza visual. Coincidimos totalmente en nuestra obsesión por Caravaggio y queríamos que la luz y el color narraran de algún modo el ánimo y las emociones de los personajes. Luego se incorporó el director de arte colombiano, Juan Carlos Acevedo. Si bien era fundamental la veracidad y la reproducción históricas, nuestro objetivo primordial fue crear una atmósfera, un universo subjetivo, que tuviera vida propia. Y el trabajo visual se termina de armar en la edición y en el trabajo de banda sonora. Con la editora Mariana Rodríguez buscamos un estilo sobrio y minimalista, hicimos un trabajo incansable a nivel de estructura y al interior de las escenas en sí, siempre buscando dejar la esencia. En música también nos propusimos un estilo minimalista, de dos o tres instrumentos como máximo, con una estructura inspirada en el barroco. La música de Fidel Gamboa tiene esa cualidad especial de hacer sonar lo que se ve. Son melodías entrañables que parecen salir de la imagen y la desdoblan por así decirlo. Nerio Barberis y Miguel Hernández, crearon un diseño sonoro naturalista que se aleja de lo meramente descriptivo y le dan a la película esa atmósfera de enrarecimiento exquisito. ¡En resumen, el cine es trabajo en equipo!

Fotografía de Olga Paulhiac/ © Aliciafilms y CMO Productions

C@Mhc: La actuación de Eliza Triana, a pesar de su corta edad, impresiona. Su imagen queda grabada en la mente del espectador por mucho tiempo ¿Cómo te fijaste en ella para el papel?
HH: Eliza es una niña muy talentosa e intuitiva, de gran sensibilidad, que captó rápidamente la esencia de su personaje. Tenía esa dualidad de ser una niña que ve para adentro, con un mundo interior muy fuerte y a la vez una personalidad firme, perseverante, capaz de rebelarse. El proceso de casting fue increíble también. Un día revisando archivos en la casa de Sylvia Amaya, la directora de casting, vi pasar por la sala a una niña con un aire dulce y serio a la vez. Entonces le pregunto y me dice: -ah es mi hija. Entonces le digo –me gustaría hacerle la prueba. La mamá -que ya había leído el guión- me dice: no, no, de ninguna manera; (jejeje). De todos modos, hicimos la prueba pero Eliza tenía 11 años y estaba aun muy niña para un papel tan complejo. Entonces pasaron 2 años y cerca de 800 candidatas. Buscamos a Sierva María en Cuba, Colombia, Costa Rica, Brasil e incluso Argentina. Y de nuevo estoy viendo videos que me habían mandado de Colombia con pruebas y escucho en “off” (es decir fuera de cámara) la voz de Eliza dando réplicas a algunas niñas que estaban siendo probadas. Me encantó la naturalidad de su voz. Entonces me fui a Bogotá para hacerle una segunda prueba. Eliza ya tenía 13 años y se había convertido en Sierva María.

C@Mhc: ¿Qué diferencias (si es que existe alguna) hay entre la Hilda Hidalgo antes de Del amor y otros demonios, y la Hilda Hidalgo después de la película?
HH: Creo aprendí a improvisar y me volví más serena. También confío ahora más en la gente. Lo que no ha cambiado es mi capacidad para sorprenderme. El mayor aprendizaje proviene precisamente de la gente que conocí en el camino! Ese vínculo humano y profesional es la herencia más valiosa de todo el proceso.

C@Mhc: Trabajar en Latinoamérica sin duda presenta sus retos ¿Qué consejos y sugerencias quisieras compartir con los jóvenes artistas en busca de una carrera en este medio?
HH: El cine es difícil en Latinoamérica y en cualquier parte del mundo! Es tan difícil en San José como en Bombay o en New York. El cine es una de las artes más caras y conlleva complejos esquemas de producción. Si además estás en un país sin una industria desarrollada pues toca abrir caminos. Supongo que no hay nada nuevo que no se haya dicho ya: Un excelente guión es la base fundamental (aunque podría filmarse sin guión también). Elegir bien a los actores hace el 90% de la película (aunque me imagino que todo puede cambiar incluso en la 3era semana de rodaje). Es bueno rodearse de colaboradores que puedan ver la misma película que vos. Hay que disfrutar el proceso, porque hacer cine termina siendo tu forma de vida. Y no olvidar que es un oficio -idealmente útil- como cualquier otro.

C@Mhc: Alguna anécdota, o episodio jocoso quizá, que quieras compartir con los seguidores de Cervantes@MileHighCity?
HH: Cuando García Márquez me propuso adaptar la novela nos reunimos en su casa en La Habana a conversar sobre el proyecto y al despedirnos le comenté que todo me parecía increíble pues de hecho yo tenía planeado regresar a Costa Rica algunos días antes y había atrasado mi viaje por casualidad. Entonces me dijo algo muy lindo: ¿Y usted cree que uno del destino se puede escapar?

Fotografía de Olga Paulhiac/ © Aliciafilms y CMO Productions

C@Mhc: ¿Qué comentó Gabriel García Márquez después de ver el filme?
HH: García Márquez vio uno de los cortes finales de edición en DF donde estábamos editando la película. ¡Fue muy emocionante! Lo primero que dijo fue que el relato estaba muy bien contado. Estaba admirado por las interpretaciones, por su realismo, dijo que se sintió trasladado en el tiempo. Y cuando terminó la película nos dijo que él creería que la esencia de la novela estaba en la película. Eso fue maravilloso.

C@Mhc: Sabemos que su relación como Gabriel García Márquez es excelente, pero nos podría explicar ¿Cuál ha sido su relación en el rodaje de esta película?
HH: García Márquez nos acompañó de cerca en todo el proceso de realización de la película, siempre pendiente de los avances y de las novedades. Cuando empezamos, el proyecto nos abrió las puertas de Cartagena a través de su familia y de sus amigos que se convirtieron en verdaderos padrinos y madrinas de la película. Colaboradores extraordinarios como Yolanda Pupo, directora del Museo de Arte Moderno, Moisés Álvarez, director del Museo Histórico de Cartagena de Indias, María Pía Mogollón, directora de la Sociedad de Mejoras Públicas, Patricia Martínez Barrios, rectora de la Universidad Tecnológica de Bolívar y el propio Jaime García Márquez, hermano de Gabriel García Márquez y presidente de la Fundación del Nuevo periodismo, que nos acompañaron a lo largo de toda la preparación y de las 9 semanas de rodaje. Durante el rodaje García Márquez me llamaba cada semana para ver cómo iba todo y siempre me preguntaba: ¿Te gusta lo que filmaste? ¿Está quedando como vos querías?

C@Mhc: Finalmente queríamos saciar nuestra curiosidad ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente? ¿Nueva película tal vez?
HH: Estoy escribiendo el guión de una próxima película que se llama Estación Violenta y trata sobre una mujer que a sus 75 años decide rebelarse y cambiar su vida.

C@Mhc: Gracias por tu valioso tiempo Hilda y mucha suerte en la competencia por la nominación del Oscar en la categoría de mejor Película Extranjera.
HH: ¡¡Gracias!!!

jm

Construcción - Chico Buarque de Hollanda - Brasil

2012-03-03T09:58:00.006-07:00

-Alberto Hernández-

Studio album released in 1971

1.-

Brasil no es un país. Es una desmesura, un incendio. Brasil es este siglo rural y cosmopolita. Indianista, romántico y modernista desde 1920, Brasil es el riesgo animoso de su poesía y sus canciones.

Carlos Drummond de Andrade, Murilo Mendes, Joâo Cabral de Melo Neto, referencias en las que se funda una rica tradición literaria que aún sostiene en la actual escritura donde la magia se consigue en cada recodo de ese gran espacio cultural.

Chico Buarque de Hollanda, el de la pluma malandra, certifica su presencia musical en los textos celebrados por toda una generación.

Construcción es una recopilación traducida por Eduardo Estévez. Los textos se salen de la música y se leen en la melodía de su contenido. La década de los 80 reveló a los artistas de conciencia, aquellos nacidos del movimiento Tropicalista, el mismo que sufrió los rigores de las dictaduras militares.

Por allí, por ese estrecho camino, somos testigos de O qué será (A flor de terra), esa vertiginosa expresión de la Opera de malandro.

Chico Buarque

2.-

Mucha de la poesía escrita en Brasil va de la mano con la música que se canta y se sueña. Asido de la voz de ese Brasil encabritado, Buarque de Hollanda toca a Cabral de Melo, el nordestito, como el Guimarâes Rosa en su sorprendente Grande Serton: Veredas, para hacer escena y actuación argumental.

Por eso nos sentimos después en Gal Costa, María Bethania, María Creuza y Toquinho, sólo para mencionar a los que más se allegan a la carne y al espíritu. Brasil es capaz de asomar un muy comercial Roberto Carlos, que remeda el corazón de muchos que han trovado, alzado la voz y el polvo de la selva para re-crear incendios místicos en preguntas y silencios.

3.-

Amó aquella vez como si fuese la última

Besó a su mujer como si fuese la última

y a cada uno de sus hijos como si fuese único…,

a cada verso le dio la fuerza hasta que

Agonizo en el medio del paseo público

murió a contramano interrumpiendo el tránsito,

y también el sábado, un hombre cotidiano, el de todos los días, el que empina la cerveza y deja el codo en la mesa, y sorbe la música como si fuese un príncipe.

Chico Buarque es un trovador urbano tejido por la selva del matto grosso, por las lianas de un lenguaje sólo posible en una región donde los artistas lograron combinar géneros, los distintos lenguajes del día y de la noche.

Construcción recoge ese encanto con cicatrices, en el que aún se ven el Brasil de hace días y el que se advierte en los sueños de mañana: el hombre es la noticia.

Este artista, abierto a todas las manifestaciones, tiene en su haber Morte e vida severina, Quando o carnaval chega, O saltimbancos, Balandro, Dança da meia-lua, Gota d´agua, trabajos donde el cine, el teatro y los espectáculos para niños se multiplican para merecerlo como uno de los creadores más importantes de ese lugar llamado Brasil, esa desmesura que lentamente se pierde en la selva y se hace urbana. Un país de construcción sin pasado heroico. Un país amasado con los ídolos de hoy, con la poesía y la música otra donde nadie queda ausente.

El largo monólogo de Guimarâes Rosa también está en la inquieta exploración de Chico Buarque. Sus personajes advierten una opción ética, como dice Antonio Cândido, sertanista por universal. Ambos representan un solo idioma, el de la arcadia de aquel buen salvaje hoy invadido por el concreto y los gritos en una habitación desordenada por el amor y la muerte.

A Juan Ramón Jiménez - Rubén Darío (1867-1916) Nicaragua

2012-02-25T04:55:00.001-07:00

ATRIO

¿Tienes, joven amigo, ceñida la coraza

para empezar, valiente, la divina pelea?

¿Has visto si resiste el metal de tu idea

la furia del mandoble y el peso de la maza?

¿Te sientes con la sangre de la celeste raza

que la vida con números pitagóricos crea?

¿Y, como el fuerte Herakles al león de Nemea,

a los sangrientos tigres del mal darías caza?

¿Te enternece el azul de una noche tranquila?

¿Escuchas pensativo el sonar de la esquila

cuando el Ángelus dice el alma de la tarde?

¿Tu corazón las voces ocultas interpreta?

Sigue, entonces, tu rumbo de amor. Eres poeta.

La belleza te cubra de luz y Dios te guarde.

(París, 1900.)

Félix Rubén García Sarmiento, conocido como Rubén Darío, fue un poeta, periodista y diplomático nicaragüense nacido en San Pedro de Metapa —hoy Ciudad Darío— en 1867. Fue el máximo representante del modernismo literario en lengua española. Es seguramente el poeta que ha ejercido mayor influencia en la poesía hispánica del siglo pasado. Rubén Darío ha sido llamado príncipe de las letras castellanas.

Viajó extensamente y tuvo especial relevancia sus estancias en Chile, Argentina, España y Francia, donde interactuó con grandes poetas e intelectuales de su época.

A menudo se olvida que gran parte de su obra literaria fue escrita en prosa, contenidos en un conjunto heterogéneo de escritos, los cuales, en su mayoría fueron publicados en periódicos. Posteriormente se hicieron recopilaciones en libros.

El periodismo fue su principal fuente de sustento. Trabajó para varios periódicos y revistas con prolífica producción de artículos los cuales han sido compilados en volúmenes póstumos.

A partir de su segunda visita a España, Rubén Darío se convirtió en el maestro, e inspirador, de un grupo de jóvenes modernistas españoles, entre los que estaban Juan Ramón Jiménez —Premio Nobel de literatura en 1956—, Ramón Pérez de Ayala, Francisco Villaespesa, Ramón del Valle-Inclán, y los hermanos Antonio y Manuel Machado, colaboradores de la revista Helios, dirigida por Juan Ramón Jiménez.

Rubén Darío murió en León, en su querida Nicaragua, en 1916, a la edad de cuarenta y nueve años.

jmc

Los amorosos - Jaime Sabines (1926-1999) México

2012-02-18T01:07:00.007-07:00

-Alberto Hernández-

1.-

Los cuerpos, anudados a todos los deseos, velan por el silencio. Desasistidos por la unión, avivan atentos la distancia que podría separarlos. Una palabra agreste y peligrosa se asoma al ojo de quien, bajo las sábanas, admite la soledad: amor. El lugar, la cámara carnal para callar el nombre, la mujer que es pliegue y sabor de flujos de animal, se hace la postrera vuelta del reloj: (Esta es la última vez que yo te quiero./ En serio te lo digo).

Jaime Sabines, el poeta mexicano de Tuxtla Gutiérrez, imbricado en las páginas de Horal, La señal, Adán y Eva, Diario semanario y poemas en prosa, Poemas sueltos y Yuria, se celebra en esta selección en donde invade, con su escritura, la visión de una constelada y mística complicidad amorosa.

2.-

La ausencia habitada de cosas (objetos donde los olores purifican los sonidos que jamás se han ido), metaforiza el desamparo. Entonces, leemos al fuerza de ese apego de Su piel sobre mis huesos/ y mis ojos dentro de su mirada./ Nos hemos muerto muchas veces/ al pie del alba. Moriencia: callarse en ese sentimiento. Esa lisa y hasta inatrapable garantía de que una quemadura dejará la marca en el lugar menos advertido. El amor, esa palabra, esa descolgadura del alma, tiene en Jaime Sabines todos los adioses y distancias, hasta tocar el filo de la sangre iluminada, al desamparo de la madrugada, cigarrillo y voz ronca frente a una cama asaltada por la tristeza.

Un viaje entiende los tiempos que laten en el pecho. La mujer es un después, también un antes, pero borroso. Los cuerpos horizontales, paralelos para que la ubicuidad sea vientre y acumulación de resplandores. Saber de ella, hacerla desespero y vacío, un hueco para que nada perturbe el morir, el asma en la tabla de mi corazón, el deseo.

3.-

Los amorosos callan./ El amor es el silencio más fino,/ El más tembloroso, el más insoportable.

El silencio, el único habitante de los sonidos amorosos, ventila sus digresiones con el cuerpo lejano, tibio aún luego de tantas escondidas muertes. Porque se vive para ocultar lo que se lleva en la camisa de amar, en el fondo fortuito de esa sustancia que viaja e inventa oscuridades. La lámpara apagada, la mirada puesta en el techo mientras ellas buscan en el sueño la muerte (que) les fermenta detrás de los ojos.

Amanecer es el dolor aguzado por todos los ruidos, los desencantos, los juegos extraviados, el olor del sexo fabricado en el olfato de viandantes y cómplices que los miran salir del amor, o entrar precipitadamente en una palabra que lee lágrimas y pequeños asaltos de la boca, cuando el beso nace y muere en una esquina.

La dura sombra se hace despedida, el día está en los asuntos de la noche, cuando los cuerpos se funden. O se separan. El silencio domina, se aterrona en las manos frías, en una palabra repetida tantas veces que ya es ojo vigilante.

No se dice.

Acude a nuestros ojos,

a nuestras manos, tiembla, se resiste.

Dices que esperas –te esperas- desde entonces,

ya sabes que el adiós es inútil y triste.

4.-

Es beso es una carta. Letra viva, un poema, la hora vacía. El paraíso, la revelación de las primeras palabras, el amor, el tiempo, los animales y el seco. Adán y Eva en un bosque dialogado. A cierta hora, el cuerpo apetece el silencio para hacerse sangre, semen y arrobo de esa levadura. El cuerpo sideral del jadeo, la vuelta a la muerte de ese instante cuando sólo existe la fosa del placer, la piel, el vientre, la lectura del frío y una puta con todos los nombres de las constelaciones.

En la juntura del último sudor cierra el libro, el cuerpo se desgaja. El poema debajo de la almohada. Afuera, el tiempo y las parejas, observadas por el desgano.

Técnicas Fotográficas del Pasado en el Presente.

2012-02-11T22:44:00.019-07:00

El día de ayer, viernes 10 de Febrero, se estrenó en Denver la exhibición Blow Up en el teatro Crossroads del histórico distrito Five Points. Esta muestra fotográfica está organizada por “Arts & Venues Denver” —una entidad gubernamental establecida por la ciudad y el condado de Denver para exaltar la calidad de vida en dicha ciudad y promover la vitalidad económica a través de eventos públicos, arte y entretenimiento—. El administrador Rudi Cerri está a cargo de esta exposición, la cual continuará hasta el mes de Abril de 2012.

Como dice el comunicado de prensa, Blow Up es una exhibición que explora y empuja los limites de la fotografía a una perspectiva única del mundo. Las técnicas fotográficas de enfoque y de exposición —ya sea de la película fotográfica, placa de vidrio u otro medio, para luego ser reveladas mediante un proceso químico— aún son practicadas por muchos artistas. A través del uso de cámaras analógicas, los artistas de Blow Up exponen las historias subrayadas de sus sujetos.

Los fotógrafos Christopher Perez y Mark Sink utilizan la técnica llamada “colodión” o “colodión húmedo” —conocida en inglés, comúnmente, como “wet plate”—. Esta técnica utiliza el químico (colodión) junto con bromuro, yoduro o cloruro, para crear una capa gelatinosa o “celulosa” sobre la placa de vidrio. Luego la placa es sumergida en nitrato de plata, convirtiendo el bromuro, yoduro o cloruro, en bromuro de plata, yoduro de plata o cloruro de plata, de manera que la capa sea fotosensible. Una vez expuesta la placa de vidrio, ésta es procesada con otros químicos para “fijar” la imagen y “revelarla”, al finalizar este proceso, la placa de vidrio, o negativo, puede utilizarse para imprimir la imagen en papel o la placa de vidrio puede ser revelada y convertirse en la foto misma, o positivo, conocido como Ambrotipo (Ambrotype). Todo este proceso tiene que hacerse mientras la placa está húmeda, por ende su nombre. Aunque este método fue inventado en 1851, sin duda alguna, la nostalgia, romanticismo y misterio de esa época son evidentes en las imágenes modernas creadas con esta técnica fotográfica.

Christopher R. Perez, Mark Sink y Kristen Hatgi

Tara Hornung

La exhibición, no sólo explora el método de placas húmedas. La arqueóloga, conservacionista de arte, historiadora y fotógrafa, Tara Hornung, demuestra la técnica de la “doble exposición”, resultando en una impresión de dos o más imágenes sobrepuestas, fotografías que también exhiben un aura fantasmal y mística. Esta técnica requiere de planificación y diseño de la imagen final, requiere de cuidado al capturar la imagen ya que la película se “expone” por segunda vez y el negativo captura aún más luz. Requiere que el revelado de la película sea ejecutado con precisión para no “borrar” la foto durante este proceso y, por supuesto, requiere de un equipo fotográfico analógico que permita retroceder el rollo de película, para retomar las imágenes, ya sea del mismo sujeto, o escena, desde otro ángulo o imágenes de otra ende. La utilización de este método continúa hoy por hoy. En contraste con la técnica de placas húmedas, su implementación es más factible.

La exposición fotográfica toma prestado su título de la cinta cinematográfica del mismo nombre y como complemento, no podía faltar, en la sala del Crossroads Theater, la proyección de este clásico del cine: Blow-Up (1966), la primera película en inglés del afamado director de cine italiano Michelangelo Antonioni.

Un fotógrafo (David Hemmings) cree haber sido testigo de un asesinato, sin darse cuenta pudo haber tomado fotografías de una matanza. El guión de la película —producida por Carlo Ponti— fue escrito por el propio Antonioni y el conocido poeta italiano Tonino Guerra. La trama tuvo dos fuentes de inspiración: el relato corto Las babas del diablo (1959) del escritor argentino Julio Cortázar; y la vida del famoso fotógrafo inglés, del Swinging London, David Bailey.

Les invitamos a que apoyen a los artistas locales disfrutando lo enigmático y “mágico” de estas imágenes.

Enlaces:

Christopher R. Perez

Tara Hornung

Mark Sink

Crossroads Theater

Denver Office of Cultural Affairs

Roberto Bolaño (1953-2003) - escritor del mundo, nacido en Chile

2012-02-04T11:42:00.001-07:00

Escogí cuatro deliciosos fragmentos de una entrevista al escritor Roberto Bolaño en la feria del libro chilena en 1999:

“Yo empecé escribiendo poesía, al menos cuando empecé a escribir en serio, cuando la apuesta era a vida o muerte, y es una forma un poco exagerada de decirlo, pero bueno se parece, lo que escribía era poesía y leí muchísima poesía; y siempre he admirado las vidas de los poetas, esas vidas tan desmesuradas, tan arriesgadas, y en ese sentido tal vez, sólo tal vez, ese amor mío por la poesía, y por los poetas, se refleja de alguna manera en alguno de mis libros; yo no creo que en todos, yo creo que soy… además, yo como poeta no soy nada lírico, soy totalmente prosaico, cotidiano; mi poeta favorito es Nicanor Parra. Nicanor Parra ya lo dice, él no habla de crepúsculos, ni de damas recortadas sobre el horizonte, sino de comidas y luego de ataúdes, y ataúdes y ataúdes, lo repite.”

“(…) uno empieza comprando libros, o robándolos, y termina leyéndolos. Pero en mi caso, eso ya es una obsesión; compro libros y ni siquiera los leo, los acaricio. Y tengo muchos libros; y tengo algunos libros que no he leído y sé que no voy a leer jamás, pero los compro y de vez en cuando los ojeo, y me gusta tenerlos cerca.”

“(…) creo que hay una ética en todo ser vivo, una ética rarísima, eso también lo dijo Borges, hasta las hormigas ¿Si? Hasta en las hormigas hay una ética.”

“(…) otra de las cosas que procuro olvidar, rápidamente, es… las tramas de lo que he escrito, porque... es que si estuviera pensando constantemente en mis libros, me volvería loco, porque sé que están llenos de errores y tendría que estar corrigiéndolos y dándole vuelta al asunto, y cuando termino de escribir un libro, en el momento en que entrego la última galerada, la última prueba de impresión… Adiós, se acabó.”

Roberto Bolaño nació en la capital chilena en 1953, pero vivió lo más importante de su vida personal y literaria en México y España, donde murió a la edad de cincuenta años por problemas hepáticos. Pienso que Bolaño es uno de los escritores latinoamericanos más lucidos de la literatura internacional. Es autor de numerosas obras de ficción, no ficción y poesía. Su libro Los detectives salvajes ganó el Premio Rómulo Gallegos de Novela y fue uno de los mejores libros del año para los periódicos The Washington Post, Los Angeles Times y The New York Times. En 2008, recibió póstumamente el premio de ficción del National Book Critics Circle por su novela 2666. Los poetas chilenos Nicanor Parra y Enrique Lihn estaban entre sus escritores más queridos. El autor catalán Vila-Matas dijo: “Con la muerte de Bolaño empieza una leyenda.”

jmc.-

Una invasión - Una magia modesta - Adolfo Bioy Casares (1914-1999) Argentina

2012-01-28T22:29:00.001-07:00

Una invasión - Trascendidos policiales, es uno de los relatos pertenecientes al libro Una magia modesta (colección andanzas, TusQuets editores, 1998); en ella el extraordinario escritor argentino pone de manifiesto, una vez más, su talento narrativo donde mezcla el realismo con lo fantástico.

La primera mitad del cuento se materializa como la típica hardboiled fiction, versión argentina. En el bar de Cevallos y Moreno, el subcomisario Julio Bruno y el subcomisario Horacio Ruzo Camba libran una batalla de desprestigio verbal mutuo —“ventilando trapos sucios”— para dar respuesta al “egoísmo de los jefes”, por ser ellos los únicos que aún no han sido ascendidos. La descripción que Bioy Casares da a los personajes es tan directa como efectiva:

“[…] Ruzo Camba, un hombrón de cara lisa y enorme, con una propensión a desparramar su cuerpo en las sillas. Al hablar mostraba una dentadura despareja y se veía que mascaba tabaco.”

“[…] —dijo Bruno.

Tenía los ojos de una tonalidad clara, apretaba los dientes y su expresión era de odio.”

Recordando sus casos policiales —y en la segunda parte del cuento—, los quejambrosos de la “Policía Federal”, hacen desplazar al lector por la geografía bonaerense:

“Cerro Catedral”

“la estación Botánico del subterráneo”

“esquina de Belgrano”

“el Bajo”

En la segunda parte de este cuento corto, Bioy Casares se adentra en el mar literario donde le fascinaba nadar a sus anchas, lo fantástico. Fue entonces cuando Ruzo Camba, utilizando su “olfato profesional”, tuvo una revelación:

“el territorio nacional estaba siendo invadido, por increíble que parezca, por hombres y mujeres artificiales.”

Después de hablar con Bruno decidieron dar parte a la superioridad. Al vencer la incredulidad inicial, los comisarios Palma y Bernárdez decidieron aniquilar a los invasores asignándoles a Ruzo y Bruno, sendos grupos de agentes. La efectiva carnicería les valió el tan codiciado asenso. La orden del comisario Bernárdez pone de manifiesto el lado conservador de Bioy Casares:

“—No te olvides de que no se trata de matar gente, sino engendros que no nacen de la unión de padre y madre.”

El final se define con un comentario del cabo Luna, del escuadrón del propio Ruzo Camba, donde el autor aprovecha para dar una opinión política:

“No se lo diga a nadie, pero tengo la impresión de que la República se estableció y progresó como nunca, justo en los años en que los hombres artificiales nos visitaron.”

Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares

La escritora argentina
Silvina Ocampo

Adolfo Bioy Casares nació en Buenos Aires en 1914. En 1940 apareció La invención de Morel, que hoy es ya un clásico de la literatura del siglo veinte. Bioy Casares frecuentó las literaturas fantástica, policial y de ciencia ficción, se debe mencionar su gran amistad con Jorge Luis Borges, con quién colaboró literariamente en varias ocasiones. Bioy Casares trabajó varios relatos policiales bajo diversos seudónimos, el más conocido fue el de Honorio Bustos Domecq. Bioy Casares y Borges dirigieron para Emecé la célebre colección de novelas policiales El séptimo círculo. En 1940 se casó con Silvina Ocampo, también escritora y pintora.

jmc.-

Lêdo Ivo (1924) Brasil - Poesía

2012-01-21T10:57:00.002-07:00

POEMAS, DE LÊDO IVO

-Alberto Hernández-

1.-

Hay una mirada oculta en las imágenes de este poeta brasileño que acaba de llegar a nuestra casa, y que por alguna razón toca a Dios y lo desvanece, lo hace más invisible y menos lejanía para los lectores.

Poemas (La liebre libre), de Lêdo Ivo, es una presencia extraña, un hallazgo de la sombra, de esa cotidiana impresión traduce el pecado: lo no visible también es paisaje.

La confesión, la palabra para biografiar el texto, se imbrica de detalles de una voz que siente y niega:

Mi vida es como una ventana abierta sobre Asia.

Profeso lo imaginario, y en este rito,

renazco al contemplar lo inexistente

que brilla a la luz de mi trópico de agua.

Lo opuesto, lo no reconocible, lo escondido en la luz, en el despojo de las superficies, en la inflexión de lo imaginario, en la práctica de una divinidad recién tocada. Desde este corpus, parecido a un desierto, el poeta abarca su interior y la mirada que lo designa.

2.-

En la línea de su panteísmo, Lêdo Ivo recorre todos los espacios donde presumiblemente radica Dios. En cada insignificancia, en el rocío, en el canto de un pájaro sobre un semáforo, en una rosa o en la suma del horizonte. Materia cierta de un universo en el que la moldura de quien no vemos se refleja en cada acto, en cada reminiscencia. O en todo olvido. Un ligero soplo bíblico, por ejemplo, en La ofensa de los hombres. O en Encuentro y duración de los muertos: Muertos continúan/ vivos, siempre amados. Vivir es protegerlos.

Pero también Dios es el lado oscuro del mundo: la basura, la podredumbre, la pestilencia y la conjunción del bien y el mal, interpretada en la desnudez de los sonidos de los versos, a veces secos, metálicos, con alguna incidencia hermética que nos remite a lo invisible, al misterio. Aunque el ojo nos vea, detrás de su acción está el ave Fénix, lo reencontrado, no como esperanza, sino como perplejidad.

La palabra como objeto de desintegración, como instrumento para descubrir al hombre, su sentido y su no sentido. En una sintaxis primitiva, sencilla, Lêdo Ivo nos entrega una poesía de la otredad, en un sujeto que se oculta, que vuelve en cada frase, pero que sólo es una alusión, un intento, una elucubración.

3.-

Moroso en su tono, entre el ruido y el silencio. No atiende a musicalidad alguna, excepto cuando define desde la metáfora (escasas) e intenta fundarse en una cadencia ingenua e íntima. ¿Dónde está lo definitivo en este autor que desplaza la tradición poética brasileña y se adentra en el resumen de imágenes casi inmóviles?

Discurso y declaración del contrario: totalidad. Vínculo consagrado a las voces que se resisten a una interpretación desligada del festejo gozoso de la muerte, como apunta Eduardo Cobos.

El visitante Lêdo Ivo

(segunda lectura)

4.-

La carne del poema anuncia el desastre, esa sucia y sombría precognición donde alguien se hace patético silencio. Lêdo Ivo, una de las voces de aquella generación deportas brasileños venida de la década del 40, se revela sonido cercano gracias a la traducción de Eduardo Cobos.

Con Ferreira Goullar y Joao Cabral de Melo-Neto, insiste en las imágenes que fijan la permanencia en los restos, en los trozos materiales de lo que flota en la memoria.

El tiempo se amontona en la piel y vierte su pátina bajo la materia rítmica de lo inaudible. Lêdo Ivo es un poeta sin abalorios, entrega la niebla para que la palabra la convierta en parte de su canto, sin necesidad de ensombrecer la pasión o la mansa entrega de sus signos.

5.-

Sólo cuando nadie lo contempla el mar es el mar,

senda pura extendida en el agua, entre el acantilado y las embarcaciones.

Poética panteísta, sin límites para lo animado, sólo las cosas testimonian la orfandad de lo invisible. Al mirar, revelamos la ilusión, la escritura de lo callado. Mirar es borrar la anécdota, las mareas que sólo son en soledad, en el menester del mismo alguien asordinado. Detrás de lo que vemos está la verdad del espejismo, ese otro que descombra, oculta y desaparece, para luego mostrarse espuma, movimiento del secreto: el soledad el mar es el mar.

El poeta usa el alejamiento, la distancia para aceptar la fatalidad o el amor. Lo que siente, ve o toca, podría rozar el desvarío:

El paisaje es comentado por la música. O la vida, liberada de los lenguajes eventuales,

se festeja en la memoria

en el espíritu sometido a un infinito ahora

eternamente presente como el océano en las playas.

Muy allá, donde reinan los secretos, palpitan el tiempo y un espacio que no tiene nombre. Sólo entona, dilata el vocablo.

6.-

Modernista en lo que tiene de símbolos multiplicados, la poesía brasileña significa el nombramiento de lo escrito y de lo dibujado, elaborado en una geografía inasible. Esta muestra que es Lêdo Ivo: el espíritu no deja de flotar y hasta se abandona en algunos símbolos dispersos. El inmenso universo poético de Brasil revisa aún la aventura iniciada en el primer tercio del siglo XX. Por esa razón de filosofar y hasta de reencarnar lo ausente, Ivo es rara avis de la poesía en lengua brasileira.

Entre existir y no estar se debate el imaginario de Lêdo Ivo. Dios niega el cielo del pájaro, lo borra entre las nubes, y como el otro que lo vivita mi vida es un sueño y nada más. La palabra se presenta dilatada y se apaga: absurdo como la vida, donde se anida/ la pátina de la muerte, vuela el pájaro.

7.-

Un ojo desaparece los cuerpos: los atrapa y los mancilla. El cuerpo se hace nada, se pudre y hasta anuncia el día para dejar de decir. Conjura su propia esencia, la martiriza al ensoñar la memoria. Es tan ausente que asombra su presencia. De allí que al desaparecer –por muy sujeto amado, palabra al fin- la voz encarna a quien sólo nombra. Yo pensaba que los muertos no regresaban/ y sin embargo aquí estás, radiante y pobre.

Este libro, Poemas, producto de una lectura muy personal (como todas, porque en definitiva uno se lee en todas las páginas), recoge los cortes más profundos de Lêdo Ivo. Su constante, esconder el rostro, asomar lo que no está y lo que se imagina. La muerte es sólo un desahogo, un escape intimista y hasta romántico que nos recuerda al insomne de Cumaná: Yo me escondía detrás de las persianas. Y el día cerraba los ojos como las jóvenes suicidas en sus lechos de canícula. En mis sueños las piedras imperturbables herían los dedos de quien intentase tocarlas. Yo circulaba entre la duna y el mar, en el espacio no alcanzado por el moho de la vida. El yo y la adjetivación: una atmósfera que apenas avisa su ausencia, porque frente a esta lectura sólo queda regresar al lugar donde no estuvimos, a la ilusión donde nadie queda.

ah.-

Ken Domon (1909-1990) - Fotógrafo Japonés

2012-01-14T17:14:00.003-07:00

Ken Domon

Ken Domon (1909-1990) es uno de los fotógrafos japoneses más reconocidos del siglo veinte. Domon es más célebre por sus trabajos como reportero gráfico, a pesar de que pudo haber sido el más prolífico fotógrafo de templos budistas y esculturas.

Ken Domon nació en Sakata, prefectura de Yamagata, Japón; cuando joven fue profundamente influenciado por los escritos filosóficos de Tetsuro Watsuji. Estudió Derecho en la Universidad de Nihon, pero fue expulsado de la escuela debido a su participación en la política radical.

Cambió de la pintura al retrato fotográfico y en 1933 obtuvo un puesto en el estudio Kotaro Miyauchi Photo Studio. En 1935 se unió a Nippon Kobo para trabajar en su revista Nippon. Cuatro años más tarde se trasladó a Kokusai Bunka Shinkokai, una organización de propaganda nacional; al igual que Ihei Kimura, y muchos otros fotógrafos japoneses notables, ayudó al esfuerzo de la guerra.

Con el fin del conflicto bélico, Domon se convirtió en fotógrafo independiente documentando las consecuencias de la guerra, centrándose en la sociedad y la vida de la gente común. Se hizo conocido como un defensor del realismo en la fotografía, la cual describió como "una absoluta instantánea que no es absolutamente dramático". Fue un colaborador prolífico en muchas revistas de fotografía, revivió, o comenzó de nuevo, durante la década de los cincuenta. Con Kimura, Hamaya Hiroshi y otros, rechazó la fotografía que plantea, y otras formas de fotografía artística; en sus polémicas en las revistas de fotografía, Domon fue el exponente más poderoso de este punto de vista. Célebremente definió su objetivo como "la conexión directa entre la cámara y el motivo".

Entre las imágenes más poderosas de Domon están las tomadas en la primera década después de la Segunda Guerra Mundial, en particular las de los sobrevivientes del bombardeo atómico de Hiroshima; la vida, y sobre todo, los niños en un barrio pobre de las minas de carbón en la comunidad de Chikuho, Kyushu; y el juego improvisado de los niños en Chiyoda, Tokio.

En 1958, Domon fue galardonado con el Premio de Fotografía Mainichi y el premio del fotógrafo del año de la Asociación de Críticos Fotográficos Japonesa. Recibió el Premio a las Artes del Ministerio de Educación en 1959 y el Premio del Congreso de Periodistas de Japón en 1960.

Domon sufrió dos ataques cerebrovasculares en 1960 y 1968, que eventualmente le impidieron sostener una cámara y lo confinó a una silla de ruedas. Esto no lo disuadió de la fotografía ni de su idea de documentar la cultura tradicional Japonesa. Viajó con energía por todo el país, fotografiando sus templos budistas y lo que se convertiría en una imponente serie de libros lujosamente producidos. En 1963 comenzó a trabajar en la obra más importante de su vida, Koji junrei (1963-1975). En cuanto a sus fotografías de la cultura tradicional del Japón, Domon escribió: "Yo estoy involucrado con la realidad social de hoy en día, al mismo tiempo que estoy involucrado con las tradiciones y la cultura clásica de Nara y Kyoto, y estas dos participaciones están unidas por la búsqueda común de un punto en que se relacionan con el destino de la gente, la ira, la tristeza, y la alegría del pueblo japonés".

El método de Domon de fotografiar estos templos era permanecer en el lugar por un tiempo antes de tomar la primera foto. A continuación comenzaba a fotografiar basado no desde un enfoque sistemático y académico sobre el tema, sino en función de cómo sus sentimientos se trasladan al sujeto a la hora de registrar la foto. En el prefacio del primer volumen de Koji Junrei, Domon escribió: "Esto es lo que se pretende como un libro amado, un libro que permita al individuo japonés reconfirmar su cultura y la gente que lo formó".

Museo Ken Domon, Sakata, Japón

En 1976 Domon quedó incapacitado por completo por un tercer ataque cerebrovascular, murió en Tokio en septiembre de 1990. En 1981 diarios de Mainichi establecieron el Premio Anual Ken Domon en el aniversario ciento diez del periódico Mainichi Shimbun. Dos años más tarde, el Museo Ken Domon de Fotografía abrió sus puertas en Sakata, Japón.

fm.-

Los fugitivos - Alejo Carpentier (1904-1980) Cuba

2012-01-08T23:52:00.008-07:00

“El rastro moría al pie de un árbol. Cierto era que había un fuerte olor a negro en el aire, cada vez que la brisa levantaba las moscas que trabajaban en oquedades de frutas podridas. Pero el perro —nunca lo habían llamado sino Perro— estaba cansado. Se revolcó entre las yerbas para desrizarse el lomo y aflojar los músculos. Muy lejos, los gritos de los de la cuadrilla se perdían en el atardecer. Seguía oliendo a negro. Tal vez el cimarrón estaba escondido arriba, en alguna parte, a horcajadas sobre una rama, escuchando con los ojos. Sin embargo, Perro no pensaba ya en la batida. Había otro olor ahí, en la tierra vestida de bejuqueras que un próximo roce borraría tal vez para siempre. Olor a hembra. Olor que Perro se prendía del lomo, retorciéndose patas arriba, riendo por el colmillo, para llevarlo encima y poder alargar una lengua demasiado corta hacia el hueco que separaba sus omóplatos.”

Exquisito inicio del cuento Los fugitivos, del gran escritor cubano Alejo Carpentier. Este relato obtuvo mención honorífica en el concurso anual de cuentos del diario venezolano El Nacional, de Caracas.

El negro Cimarrón y Perro —el cual había cambiado de bando— son los fugitivos del ingenio de don Marcial, de la esclavitud galopante, de los negreros, y de las cadenas de la injusticia histórica —la historia y los viajes fueron la fuente inagotable de la inspiración carpentierana— vivida en los ingenios de la colonia. Desafiando las mismas trallas y cadenas que usaban en el esclavo Cimarrón.

Hay descripciones líricas notables del background escénico donde Cimarrón y Perro fluyen en el realismo mágico de Carpentier; fragmentos como: “El valle se desperezaba. A la apremiante espadaña, destinada a los esclavos, respondía ahora, más lento, el borbón armoriado de la capilla, cuyo verdín se mecía de sombra a sol sobre un fondo de mugidos y relinchos, como indulgente aviso a los que dormían en altos lechos de caoba.”

El esclavo fujitivo fue recapturado por su imprudencia y por el licor, Perro vivió la soledad y desasosiego. Cimarrón volvió a escapar y el reencuentro con Perro fue un clímax de justicia racional. Perro no estaría más sin la compañía de un humano, ni la de una compañera vital para él, perra gris.

“Durante muchos años, los monteros evitaron, de noche, aquel atajo dañado por huesos y cadenas.”

Alejo Carpentier y Valmont fue un novelista, ensayista, musicólogo y periodista cubano de gran influencia en la literatura latinoamericana durante el famoso período del “boom”. Durante muchos años se creyó que había nacido en Cuba, pero en hallazgos póstumos se comprobó que nació en Lausanne, Suiza. De padre francés y madre rusa, Carpentier creció en La Habana y a pesar de su lugar de nacimiento europeo, siempre se auto identificó, con mucha convicción, como cubano a lo largo de su vida. Viajó extensamente, sobre todo Francia, Suramérica y México, donde se reunió con miembros prominentes de la comunidad literaria, cultural y artística de Latinoamérica.

Durante su visita a Francia cuando joven, Alejo Carpentier conoció y colaboró con muchas figuras del movimiento surréalisme francés. Absorbió gran parte de la teoría surrealista de sus contemporáneos, sobre todo de su colega y amigo el periodista parisino Robert Desnos.

JMC.-

Feliz cumpleaños Mr. J.D. Salinger (1919-2010) USA

2012-01-01T17:10:00.000-07:00

«Un escritor, cuando se le pregunta que hable de su oficio, debe de levantarse y gritar en voz alta, sólo los nombres de los escritores que ama. Me encanta Kafka, Flaubert, Tolstoi, Chejov, Dostoievski, Proust, O'Casey, Rilke, Lorca, Keats, Rimbaud, Burns, E. Brontë, Jane Austen, Henry James, Blake, Coleridge. No voy a nombrar ningún escritor vivo. No pienso que sea correcto.»

Revista donde se publicó
A Perfect Day for Bananafish
en 1948

Así respondió el famoso y enigmático escritor estadounidense —hoy, primero de enero, es su cumpleaños—, J. D. Salinger, en 1951, a su amigo y editor de la revista The New Yorker, William Maxwell, cuando éste le preguntó —parte de la sección Noticias del Club del Libro Mensual— acerca de sus influencias literarias.

En cartas escritas en 1940, Salinger había expresado su admiración por tres escritores vivos, o recientemente fallecidos: Sherwood Anderson, Ring Lardner y F. Scott Fitzgerald. El crítico literario, biógrafo y poeta británico, Ian Hamilton, escribió que Salinger, durante un tiempo, inclusive se veía así mismo como “el sucesor de Fitzgerald.” De hecho su relato A Perfect Day For Bananafish tiene un final muy parecido al cuento May Day, anteriormente publicado por Fitzgerald.

Aún teniendo conocimiento de la famosa aversión de Salinger a la publicidad, Ian Hamilton decidió escribir una biografía, y crítica, acerca del autor. Salinger interpuso una demanda para evitar que el libro se publicara. No tuvo éxito, pero al negarle a Hamilton su cooperación, el acceso y el derecho a la cita de su trabajo —incluyendo sus cartas—, originalmente el libro dio la apariencia de estar fatalmente defectuoso. Hamilton sin embargo no se dejó intimidar y fue capaz de incorporar éstas frustraciones en su libro titulado In Search of J.D. Salinger.

Jerome David Salinger (1919–2010) fue un escritor norteamericano, mejor conocido por su novela The Catcher in the Rye (1951) —El cazador oculto, o El guardián entre el centeno—, así como por su naturaleza ermitaña. Su último trabajo original fue publicado en 1965, y dio su última entrevista en 1980.

Salinger creció en Manhattan, y comenzó a escribir relatos cortos mientras asistía a la secundaria. Publicó algunos cuentos a comienzos de los años cuarenta, antes de servir en la Segunda Guerra Mundial. Sus primeros relatos fueron publicados en la revista Story Magazine, que fue creada por el escritor y editor Whit Burnett. En 1948 publicó su afamado relato A Perfect Day for Bananafish en la revista The New Yorker, la cual se convirtió en su casa editorial para muchos de sus subsecuentes trabajos. En 1951 Salinger sacó a la luz su novela The Catcher in the Rye, e inmediatamente se convirtió en un éxito popular. Su descripción de la alienación adolescente y la pérdida de la inocencia del protagonista, Holden Caulfield, fue muy influyente, especialmente entre los jóvenes lectores. Hoy en día la novela sigue siendo muy leída y controversial vendiendo alrededor de 250 mil copias al año.

jmc.

LA PÁGINA BORROSA - Alberto Hernández

2011-12-25T23:15:00.005-07:00

1.-

La senda de la palabra nos revela que al final hay un desencuentro con la certidumbre. Todo es cierto cuando sabemos que un significado nos enfrenta con la realidad, esa “cosa” abismable.

El arte, sobre todo ese que nos toca tan de cerca, la poesía, es sólo una justificación. En medio de ese tránsito vamos dejando trozos, voces muertas, sobras de frases, equipajes y monederos vacíos, cuerpos adoloridos, reflejos, ecos. Pérdidas que enriquecen y alejan el fondo de lo que nos ahoga, lo que nos rodea. La realidad es una simple fantasía inventada por los sentidos. Más allá del espejo, en su allá inescrutable, está la razón de ese desencuentro, el sabernos hechos de “verdades”, de paradojas.

Una lectura universal sin pasión de todas las páginas revisa cada paso adelantado, cada abismo rozado por el miedo. De esa desordenada vocación, ¿qué nos queda? Pequeños destellos, una larga desmemoria que se metamorfosea, nos acompaña.

Todas las lecturas definen esa larga soledad con el texto. Pero no todas las soledades definen los textos. Sí, un texto, digamos Tirant lo Blanc, el primer invento literario de caballería de los íberos. La revelación cuestiona la alocada perfección de Cervantes.

2.-

No se termina nunca de leer, sobre todo si nos movemos en la tesitura de la sugerencia de Italo Calvino en su libro Por qué leer los Clásicos, pieza extraña en estos tiempos cuando el afuera ha invadido los lugares del espíritu, el aposento del pensamiento, ha desalojado sus secretos, golpeado febrilmente las sombras de cada quien. Una vieja página perdida, irrecuperable, como un cadáver a la orilla de una carretera intransitable.

3.-

En la extrañeza de una pupila caben las preguntas: ¿Ganamos en tecnología si dejamos de leer la Odisea? ¿Se nos caerían las alas de los demonios cibernéticos si nos aproximamos a Jenofonte, Ovidio, Cardano, Galileo, Cyrano, Crussoe, Diderot, Sthendal, Balzac? ¿Dejaremos de ser posmodernos si nos aposentamos en un laboratorio de microchips con la memoria cercana a Dickens, Flaubert, Tolstoi, Twain, James, Stevenson, Conrad, Borges, Onetti?

Estas preguntas no las formula Calvino, pero en estos momentos de virus y apotegmas tecnobiológicos quien esto rasguña se las formula. Las polémicas han sido virtuosísimas en medio de tanto scanner y nerds apostados en la imaginación virtual. ¿Somos hombres en la medida de nuestra memoria o seremos más hombres en la medida de nuestras habilidades virtuales?

4.-

Una hoja antigua se nos queda en el hombrillo de la ruta que seguimos. Hemos saltado la verja y alguna herida nos marca las rodillas. Sin embargo, la caída no ha sido sentida. ¿Todos los Clásicos caben en la desmesura de una pantalla de computador? ¿Todos los hombres cavilan desnortados como para someterse al escarnio del silencio de esa máquina que lo copia y lo “perfecciona”? Nuestro extravío vive, lentamente, la búsqueda del lugar señalado en los sueños, el web site donde las fantasías se consagran por la lectura. La tecnología -esa inteligencia que fabrica edenes temporales- es, ya se afirma con regusto, un mal necesario, para usar el más lugar común de Dios me salve el lugar. La fuerza de la palabra desatará un larguísimo silencio. La mudez volverá a los libros, extraños instrumentos de hechicería. Módulos de estancos, archivos de mampostería, inventario de museos. Así dicen los tecnócratas. Reflexión triste para aquellos que estamos de este lado, persiguiendo fantasmas con Italo Calvino. A ver si de algún lado emerge alguien y nos sorprende con los olores virtuales de Don Quijote.

5.-

La última página. O la extraviada en medio del miedo y los asuntos de la calle. La burocracia, el fracaso, la rutina, la abulia, el fastidio: Juan Carlos Onetti nos revienta en una esquina. Mario Benedetti en una oficina. “Para rendir pasablemente en la oficina, tengo que obligarme a no pensar que el ocio está relativamente cerca. De lo contrario, los dedos se me crispan y la letra redonda con que debo escribir los rubros primarios, me sale quebrada y sin elegancia”, dice un personaje de La tregua del fallecido escritor uruguayo. He allí una pérdida, la estrategia de la artritis del temor al fracaso. Es el mismo sujeto que se aferra al diagnóstico de Montevideo.

¿Cuántas páginas nos quedan por diseñar, por escribir, sin necesidad de que la muerte nos aparte a un lado, nos haga su cómplice? ¿Qué puede sacar en provecho cada uno de los que hacen vida en el cuento “El presupuesto”? Allí habitan quienes no encuentran cómo reconstruir sus vidas, un país, un microclima que los lleva al silencio, a la muerte.

¡Cuán parecidos los personajes de La tregua y los personajes de La vida breve! Tanto Onetti como Benedetti saltan la cuerda de una pequeña nación predestinada a ser un juicio: la parálisis de alguien asomado a una ventana, la de un hombre que se detiene en la calle y allí permanece hasta el desgaste del día. Alguien sabe que va a morir y se sienta en una plaza, a la espera de que el médico, su ex compañero de estudios secundarios, le diga que no tiene la muerte instalada en los intestinos, la misma que acabó con el escritor nacido en el sur. ¡Qué distancia tan larga para predestinarse, para saberse el mismo personaje del cuento “La muerte”, parte del libro La muerte y otras sorpresas!

Aquí, en esta línea, perdemos el equilibrio. Ha muerto quien inventó y borró, quien supuso la felicidad y se perdió en una biblioteca de utopías. Todos terminamos siendo personajes de una sola novela. Y así como él, otros han muerto. La página vuela agitada por el viento en medio de una calle tocada por una ventisca. La página borrosa es la misma que ha quedado oculta en el computador, la misma que una noche perdió algún monje de la Edad Media. El copista que alojó en sus ojos la sombra del futuro.

AH.

Thomas Mann (Lübeck, Deutschland, 1875 - Zürich, 1955)

2011-12-17T23:56:00.002-07:00

«¿Es la literatura un canto de cisnes? No, más bien es una profecía, aunque no en forma directa y explícita. La naturaleza del artista le previene de ser, al menos, el siervo y el presagiador de cosas nuevas, aun cuando sus palabras traicionan su intuición inconsciente del futuro. Lo que sucede es más bien que lo viejo y lo nuevo… juegan, juegan con él, y este juego es su obra, un producto dialéctico, casi siempre, de viejos y nuevos, en donde su simpatía, sí, su amor, es conservador y enfrenta lo viejo, y sólo la capacidad de respuesta del artista da pistas a lo nuevo.»

Formulación hecha por Mann, donde predijo enormes cambios sociales, sin saberlo. Ya para 1939 ésta reconciliación del arte supremo y la política no era más la alegría austera, sino la armonización entre el humano individual y el humano social. Transiciones sociales que necesitaron tres décadas para ser apreciadas.

Esta reveladora declaración la encontré entre las páginas de un rico y denso estudio biográfico escrito, extraordinariamente, por el doctor, y profesor universitario, Anthony Heilbut, en 1995. El libro —Thomas Mann, Eros and Literature— lo descubrí entre empolvados textos de una vieja librería al sur de Denver, hace cuatro años. Entonces Eros —en la mitología griega, era el dios de la atracción sexual, el amor y el sexo— y la literatura se han complementado, a través de uno de los escritores más importantes del siglo pasado, pensé.

Heilbut define el lugar de Mann en la historia de la literatura, su relación con sus ancestros literarios, particularmente Goethe y Nietzche, y con sus contemporáneos Gide y Kafka, así como con los escritores norteamericanos Whitman y Melville. La biografía retrata la Alemania de Thomas Mann, su obra, su vida, su exilio y arribo a los Estados Unidos, una vida de sufrimiento y coraje pero de gran logro, una vida acosada por la hostilidad política, tanto de la derecha como de la izquierda, y por los tormentos de su frustración sexual.

Escena de "La muerte en Venecia", en Lido (1971)

Carlos Fuentes tuvo la oportunidad única de describir algo de esa frustración, sufrida por Mann, cuando visitaba la ciudad suiza de Zúrich en 1950. Y cito:

“Allí estaba él, la mañana siguiente, en el hotel Dolder donde se hospedaba, vestido todo de blanco, digno hasta un punto menos que la rigidez, pero con ojos más alertas y horizontales que la noche anterior. Varios hombres jóvenes jugaban tenis en las canchas, pero él sólo tenía ojos para uno de ellos, como si éste fuese el Elegido, el Apolo del deporte blanco. Ciertamente, era un joven muy bello, de no más de 20 años, 21 acaso; mi propia edad. Mann no podía quitarle de encima los ojos al muchacho y yo no podía quitarle la mirada a Mann. Estaba presenciando una escena de “La muerte en Venecia”, sólo que 38 años más tarde, cuando Mann ya no tenía 37 (su edad al escribir la novela maestra sobre el deseo sexual), sino 75, más viejo aún que el afligido Aschenbach enamorando de lejos al joven Tadzio en la playa de Lido, donde a veinte años de ver a Mann en Zúrich, vi a Luchino Visconti, en compañía de Carlos Monsiváis, filmar “La muerte en Venecia” con una mujer que asumía todas las bellezas y todos los deseos, incluso los de la androginia, Silvana Mangano.”

La actriz Silvana Mangano

Thomas Mann fue un novelista, cuentista, crítico social, filántropo y ensayista alemán, ganador del Premio Nobel en Literatura 1929. Conocido por su serie de novelas épicas altamente simbólicas e irónicas que destacan por su penetración en la psicología del artista y del intelectual. Su análisis y crítica del alma europea, utiliza modernizadas historias alemanas y bíblicas, así como las ideas de Goethe, Nietzsche y Schopenhauer. Su hermano mayor fue el escritor radical Heinrich Mann, así como tres de sus seis hijos, Erika Mann, Klaus Mann y Mann Golo, que también se convirtieron en importantes escritores alemanes. Cuando Hitler llegó al poder en 1933, el anti-fascista Mann huyó a Suiza. Cuando la Segunda Guerra Mundial estalló en 1939, emigró a los Estados Unidos, de donde regresó a Suiza en 1952. Thomas Mann es uno de los exponentes más conocidos de la llamada Exilliteratur.

jmc.

Edad Obscura - Juan Liscano (1915-2001) Caracas - Poesía

2011-12-11T20:49:00.001-07:00

el poeta Juan Liscano

Juan Liscano

EDAD OBSCURA

-Alberto Hernández-

1.-

El eco de Juan Liscano se derrama sobre la Cruz del Sur y la inclina hacia el costado de la crítica, como motivación de quien sabe de las convulsiones y sobresaltos que nos tiene reservado el mismo hombre. El futuro, esa discriminación del tiempo, define la duda y el silencio atado a las palabras. Una edad en la que estamos instalados, sometidos por un rato de extravíos, de tormentas.

La pérdida del paraíso es la constante en Edad obscura, editado por vez primera en 1969.

La voz de este libro es la de un poeta perdido en el tiempo, sólo avizorado por la confusión, la misma que Robert Penn Warren (citado por Juan Carlos Santaella en el ensayo ¿Una escatología literaria posmoderna?) señala acertadamente: y cuando se llega a los escritores después de la segunda guerra mundial, se encuentra el mismo tema agravado por una visión del ser humano encarado a una sociedad mutilada y aún sádica y a un creciente espíritu general de protesta, de desesperación, desorientación, violencia y transacciones amorales en todos los niveles. Liscano ha mantenido, desde todos sus tiempos, esta posición: el hombre fue inocente, libre del miedo a un poder extraño. Desde este libro, el terror tecnológico, la pérdida incesante de la orientación humana.

Comí de la fruta prohibida

perdí la inocencia, la tersura, tuve hijos,

-frutos humanos decimos-

¿para el bien? ¿para el mal?

¿para continuar la guerra de la tentación

De la caída y de la expulsión del paraíso

y transmitir golpes, desgracias, pedazos

y andar más cargado, más perdido en el tiempo?

2.-

Liscano escribe desde la desesperanza, desde una página donde el futuro omniabarcante desfigura la voz y la mirada del hombre.

Sólo el amor, la palabra balsámica, la poesía, pueden revelar –que no salvar– el tránsito de quien protagoniza su propia tragedia.

Un día sombrío nos somete: No estoy muerto. Duermo./ Somos tantos ahora yo y tú/ acorralados pero juntos/ dormidos despiertos/ más adelantado yo/ mayor en la edad obscura/ y tú menos, soñando historias reales,/ símbolos que devuelven la imagen de tu vigilia.

En este libro –tan vigente aún– el poeta de Cármenes busca las fuentes, como dice Antonio López Ortega, para orientar mejor la marcha. No obstante, Liscano va más allá, se desliza por las imágenes del pasado, las toca, regresa a los ritos de sangre y desde la amada mira el porvenir. Es decir, de la desesperanza a la aproximación de un destino cierto o, al menos, llevar juntos la marca de la destrucción, tomados de la mano.

Un país, un universo, late en la chatarra que emerge ruidosamente y nos agrede. El poeta no se esconde, irrumpe en medio del dolor para hacerle frente a la ruina, a la oscuridad recorrida por las páginas de un alarido, como aquel de Ginsberg, o el que tantas veces nos aproxima al oído de Mariño Palacio.

Lo más nuevo es una ruina que empieza/ lleva su grieta de nacimiento/ su hendidura natural/ la herencia de las destrucciones/ y del pecado original de haber nacido. Predestinados, sujetos a un sino enmascarado, criminal, plástico. La historia se deshace, se devora ella misma. Lo que se construye, destruye. Entonces, regresamos al olvido. Sin embargo, Miro gestos en la luz antigua/ el andar de animales sueltos e inocentes, como desde allá, del eco del pasado, nos convocaran.

Para clausurar el último tiempo, el poeta toca con dedo lapidario:

De las cosas que hacemos a la cosa que somos

pasa el tiempo o pasamos nosotros

sin advertir que las cosas acaban con nuestra causa

que nos volvemos cosas de las cosas.

Libro de obligada lectura para saber de qué estamos hechos, en éste y en el otro tiempo que nos queda.

AH.

El poeta, ensayista, crítico, articulista, folklorista, periodista y etnomusicólogo venezolano Juan Liscano Velutini (1915-2001) nació en la ciudad de Caracas. Estudió la primaria en su país natal y la secundaria en Europa. Realizó cursos de Derecho y Antropología en la UCV de Caracas. Desarrolló una amplia labor periodística para diarios venezolanos y extranjeros. En 1938 fundó la revista literaria Cubagua —Caracas— y desde 1964 fue director de la revista Zona Franca. Escribió importantes trabajos de crítica literaria y recibió numerosas distinciones y premios. Escritor vigoroso, laborioso y combativo que cantó las inquietudes de su generación y de su tiempo, lo que quedó reflejado en su vasta producción literaria.

Entrevista con el poeta Alberto Hernández (1952 - Venezuela)

2011-12-04T22:19:00.001-07:00

Alberto Hernández
(Fotografía Alberto H. Cobo)

En reciente visita a la pujante ciudad de Maracay, en Venezuela, tuvimos la fortuna —y francamente, el honor— de conocer al excelente poeta, narrador, mimo y periodista venezolano Alberto Hernández. El momento oportuno para entrevistarlo:

C@MHC: Cuéntanos ¿Quién es Alberto Hernández?

AH: Soy un ciudadano de a pie que ambula a diario con las palabras y se confunde con la realidad. De esa costumbre me ha quedado la poesía, los cuentos de caminos, el teatro y mucha razón para escribir y decir que aún estoy vivo. Así, puedo decir que soy un ser humano dedicado a escribir poesía, a narrar algunas historias, a comentar e informar a través de los medios y a tratar de respirar el aire enrarecido de mi país.

Ediciones Mucuglifo

¿Cómo te inicias en la literatura?

AH: Comencé es estas lides cuando aún era un adolescente. En mi casa había algunos libros regados en los rincones de la casa. Mi padre se acercaba a Rubén Darío, a Andrés Eloy Blanco…a algunos poetas de la tradición. Declamaba y escribía. Allí se sembró la semilla…por ahí comenzó todo.

¿Cuáles autores te han servido de inspiración? ¿Cuál es —si es que existe alguno— el mecanismo creativo de tu poesía?

AH: Bueno, en realidad me duele hablar de inspiración, prefiero la palabra influencia. Son muchos los autores que se acercaron con sus libros y entraron. Entre ellos, Ramos Sucre, Vicente Gerbasi, Rafael Cadenas, François Villon, Antonio Machado…son tantos que no cabe mi agradecimiento en esta página.

En cuanto al mecanismo, puedo decir que no tengo método alguno: una imagen llega, se instala, pide permiso y allí arranca el poema. Hasta quedar todo suturado de tanto corregir.

¿Cómo definirías la realidad actual de la poesía contemporánea latinoamericana?

AH: La poesía de nuestro patio siempre ha sido robusta. Somos un continente de poetas. Desde Chile hasta los Estados Unidos, porque es necesario también añadir a los poetas norteamericanos, por su grado de influencia. Desde Argentina hasta México somos una tierra de imágenes, de ritmos verbales, de creaciones palabreras anudadas al espíritu del tiempo. Nuestra poesía siempre ha gozado de buena salud.

Fotografía por Frank Montanez 2011

¿Qué libros tienes en tu cabecera de cama?

AH: Como casi no tengo cabecera de cama no tengo en este momento ningún libro a la mano. Muchos son los títulos que han soñado conmigo. Desde Paul Valéry hasta Eugenio Montejo. No quiero explayarme mucho porque dejaría fuera muchos afectos poéticos. Son muchos, eso sí.

¿Te atreverías a recomendar algún libro, o escritor, en particular?

AH: Sí, de venezolanos me atrevo a recomendar los libros, todos, de Montejo. Todos los de Rafael Cadenas. De autores del Norte todavía es bueno repasar a Allen Ginsberg y a los miembros de su tribu. Por supuesto, se trata de un juego de memoria. Hay otros que andan por ahí saltando la cuerda.

Sabemos de tus habilidades en el difícil y mágico mundo de los mimos —títeres, teatro, quizá— ¿Qué relación existe con tu trabajo creativo poético y narrativo?

AH: El teatro me hizo perderle el miedo escénico a la existencia. La poesía y el teatro han viajado conmigo siempre. Hay textos míos que son teatrales, así como cuentos que se pueden convertir en guiones para teatro y cine. El teatro ha sido fundamental en mi vida.

Editorial Sobrevivientes Asociados/
Calicanto

Háblanos un poco de tu trayectoria periodística, organizativa y docente.

AH: Desde muy chico me gustó el periodismo. Ver mi nombre en los periódicos, involucrarme en los problemas de los demás, darlos a conocer. Considero que se trata de un oficio que se traduce en servicio público. Ejercí durante más de 25 años como docente de educación media y universitaria. Pero eso ya quedó en el pasado. Estoy dedicado a tiempo completo a la literatura.

Ediciones Estival.
Editor Juan Martins

¿Alguna anécdota jocosa, o interesante, que quisieras compartir con los lectores de Cervantes@MileHighCity?

AH: En un evento estudiantil universitario en España unos árabes me confundieron con un árabe mudo. Por supuesto, me hice el mudo y hasta el árabe todo el tiempo para no pasar por pendejo. Además, todas las frutas secas que trajeron formaron parte de mis almuerzos y mis cenas. En todo caso, al despedirse con un gesto muy árabe, quedamos como amigos. Nunca más nos vimos.

C@MHC: Muchas gracias Alberto por esta gran oportunidad…

Alberto Hernández: Nació en Calabozo, estado Guárico, Venezuela, el 25 de octubre de 1952. Poeta, narrador y periodista. Egresado del Pedagógico de Maracay, realizó estudios de postgrado en la Universidad Simón Bolívar (Caracas) en Literatura Latinoamericana. Fundador de la revista literaria Umbra, es colaborador de revistas y periódicos nacionales y extranjeros. Su obra literaria ha sido reconocida en importantes concursos nacionales. En el año 2000 recibió el Premio “Juan Beroes” por toda su obra literaria. Ha representado a su país en diferentes eventos literarios: Universidad de San Diego, California, Estados Unidos, y Universidad de Pamplona, Colombia. Encuentro para la presentación de una antología de su poesía, publicada en México, Cancún, por la Editorial Presagios. Miembro del consejo editorial de la revista Poesía de la Universidad de Carabobo, Venezuela. Se desempeña como secretario de redacción del diario “El Periodiquito” de la ciudad de Maracay, estado Aragua, Venezuela. Ha publicado ensayos y textos poéticos en las revistas Turia de España (Aragón), números 81-82; en Il foglio volante de Italia, Nº 4, abril 2007; Piedra de molino, Arcos de la Frontera, España, primavera de 2007, entre otras. Parte de su obra ha sido traducida al inglés, al italiano y al árabe.

Y muy pronto, colaborador de Cervantes@MileHighCity, Denver, Colorado, Estados Unidos.

Por favor no dejen de visitar el link del autor: http://puertasdegalina.wordpress.com/

Entrevista a Alberto Hernández en Crítica Teatral: http://criticateatral.wordpress.com/2011/12/05/1509/

JMC.

Hermann Hesse (Württemberg 1877–1962) Alemania

2011-11-15T19:31:00.000-07:00

Hesse en 1927

No digas de ningún sentimiento que es pequeño o indigno. No vivimos de otra cosa que de nuestros sencillos, hermosos y magníficos sentimientos, y cada uno de ellos contra el que cometemos una injusticia, es una estrella que extinguimos.

Hermann Hesse (Württemberg 1877 – 1962) fue un poeta y novelista alemán conocido por haber explorado en su obra la dualidad del espíritu y la naturaleza en la búsqueda espiritual del individuo fuera de las restricciones de la sociedad. Hesse fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1946.

Varias de sus novelas representan el viaje del protagonista en el interior. Una suerte de guía espiritual que ayuda al héroe en su búsqueda de auto-conocimiento y el camino más allá del mundo, engañados por el dinero, los números y el tiempo.

En 1931 Hesse comenzó a trabajar en su obra maestra Das Glasperlenspiel –El juego de los abalorios–, que fue publicada en 1943. En 1942 Hesse envió el manuscrito a Berlín pero fue rechazado por los nazis, el trabajo apareció en Zurich, Suiza.

Después de recibir el Premio Nobel, Hesse no publicó ninguna obra fundamental. Entre los años 1945 y 1962 escribió unos cincuenta poemas y cerca de treinta y dos críticas, en su mayoría para periódicos suizos.

Hesse murió de una hemorragia cerebral mientras dormía el nueve de agosto de 1962 a la edad de ochenta y cinco años.

Otras obras centrales de Hesse incluyen In sight of chaos (1923), una colección de ensayos, y la novela Narciso y Goldmundo (1930), ambientada en la Edad Media, repitiendo el tema de los dos tipos opuestos de los hombres.

En los años sesentas y setentas Hesse se convirtió en una figura de culto para lectores jóvenes. El interés se redujo en la década de los ochentas. En 1969 el grupo de rock californiano Sparrow cambió su nombre a Steppenwolf –Lobo estepario– después del clásico de Hesse y lanzó su famoso tema Born to be Wild.

Los libros de Hesse han ganado lectores de los movimientos de la Nueva Era y sigue siendo uno de los autores más vendidos de habla alemana en el mundo entero.

Posted by John Montanez

SEGUNDA PIEL dirigida por Gerardo Vera en 1999

2011-11-03T15:18:00.001-06:00

El regreso a mi tierra natal me ha exigido de responsabilidades y costumbres ya olvidadas por mi persona que me han privado paulatinamente de uno de mis más queridos y mundanos placeres. El Cine. Centrado más en la familia, el trabajo, estudios y mis libros de cabecera recomendados por la mejor compañera que uno podría tener y madre de mi hija aún no nacida, me dispongo a recomendarles esta película que ayer mismo, tuve el placer de ver en compañía de mis dos soles, gracias a la gentileza de la televisión pública española y su programa ¨Versión Española¨ el cual también les recomiendo fervientemente.

De modo que sin más dilación, les presento Segunda Piel, dirigida por Gerardo Vera. Este largometraje dramático tiene como hilo conductor el amor. Ese amor que uno no sabe entender. Ese amor que la sociedad, la cultura y los valores antiguos no dejan que la persona lo acepte. Y como consecuencia, no deja que nadie lo quiera.

Alberto (Jordi Mollà) es un ingeniero aeronáutico, casado y con un hijo, que ha basado su vida en la mentira. Una falsa realidad que se desmorona al verse reflejado en el espejo de la vida y no querer, ni poder aceptar, lo que él es. Un hombre enamorado de Diego (Javier Bardem).

Una película rodada con mucha intimida y delicadeza, por parte de Gerardo Vera, quien escribe el guión junto con Ángeles González Sinde, actualmente ministra de cultura de España. Gerardo demuestra su temple como director a la hora de utilizar todos los recursos cinematográficos para transmitir e introducir al espectador en la trama de la película. Buen ejemplo de ello es la escena donde Alberto y su mujer Elena (Ariadna Gil) están sentados en un bar de Jazz mientras se interpreta una canción de amor y ellos dos hablan sobre su casi inexistente actividad sexual. Aquí queda patente el buen hacer de este director. Pues solo hay que dejarse llevar por su mano, escuchar el diálogo y disfrutar de la sutileza de los planos cercanos y desenfocados, que apoyan aún más la incomunicación que padece la pareja. Con la luz tenue y oscura que predomina en casi toda la película, se aprecia el oscurantismo y la no aceptación de sí mismo de Alberto.

Digno nivel interpretativo de Javier Bardem que con suma sensibilidad hace de pareja masculina de Alberto. Ariadna Gil por su parte interpreta convincentemente el personaje de mujer casada que va perdiendo a su marido. Jordi Mollà acierta en las intensidades, tonos y gestos de Alberto, dándole una gran credibilidad al sufrimiento psicológico del mismo. Comentar como no, la gran química entre Celia Roth (amiga de Diego) y Javier Bardem. Que siendo ambos grandes actores, aún no he conseguido verles juntos de nuevo en otro film, pues en este le dan carisma, crean interés y simpatía, a la vez que ayudan a sobrellevar el ritmo decadente de la película. Que a mi parecer carece de la intensidad idónea.

Puede que la carencia de ritmo sea por falta de fuerza en el guión, por el mal enlace en las escenas que se desarrollan y que hace que los acontecimientos que se precipiten al final, pero será mejor que lo juzguen ustedes mismos.

¡Disfruten del cine!

RHiF

Mano Carlos (La Rebelión) - Rómulo Gallegos (1884-1969) Venezuela

2011-10-30T23:05:00.001-06:00

« Esto fue cuando Juan Lorenzo tenía cinco años.

Una noche, a las primeras horas, estaba él en las piernas de la madre, que le cantaba para dormirlo, cuando llegó un hombre a la puerta y dijo:

—Señora, dígale a Mano Carlos que aquí está Julián Camejo que viene a cumplile lo ofrecio.

Efigenia dejó al niño en la mecedora y entrando en el cuarto del marido se acercó a la hamaca donde él estaba y le dijo, con su voz de sierva sumisa que habla al amo que acaba de azotarla:

—Que ahí está Julián Camejo que viene a cumplirte lo ofrecido.

El hombre saltó de la hamaca y se precipitó fuera del cuarto a grandes pasos, a tiempo que desabrochaba la tirilla del revólver en la faja que llevaba siempre al cinto.

Efigenia comprendió entonces lo que iba a suceder pero no hizo nada por evitarlo, paralizada por el terror. Juan Lorenzo que estaba mancornado en la mecedora, se enderezó rápidamente cuando el padre atravesó el corredor, dirigiéndose a la calle.

Transcurrieron los instantes precisos para que el Comandante Carlos Gerónimo Figuera atravesara el zaguán; pero a Efigenia le parecieron infinitos, porque durante ellos estallaron en su cerebro un tropel de pensamientos que, para sucederse unos a otros habían requerido largo espacio de tiempo. Esperando oír el disparo inevitable le pareció que dilataba tanto que se preguntó mentalmente: ¿Cuándo sonará?

Por fin oyó. Algo espantoso que no se borraría jamás de su memoria: un quejido estrangulado, corto, angustioso como un hipo mortal, y luego el ruido del portón contra el cual había caído algo muy pesado.

Mucho tiempo después Efigenia recordó que entonces había dicho ella, lentamente ya a media voz: ¡ya lo mataron!; y que afuera, en la calle, en todo el pueblo, en el aire, había un silencio horrible.

Luego comenzaron a oírse voces de los vecinos agrupados en la puerta. Lamentaciones de mujeres que parecía que hablaban tapándose las bocas con las manos trémulas de espanto:

—¡Ave María Purísima! ¡Dios me salve el lugar!

Un hombre que decía:

—¡Lo sacó de pila!

Una voz autoritaria:

—No lo atoquen. Hasta que no venga el Jugao no se pué levantá el cuerpo.

Voces lejanas:

—¡Cójanlo! ¡Cójanlo!

Poco después, Juan Lorenzo, que había quedado inmóvil en su asiento del corredor, vio que unas mujeres abrían la entrepuerta para dar amplio paso a los que traían el cadáver del Comandante Figuera. Cautelosamente fue deslizándose en el asiento hasta alcanzar el suelo y sin quitar la vista de la puerta por donde iba a aparecer aquella cosa horrible. Luego echó a correr hacia donde estaba la madre.»

Mano Carlos es la primera parte completa del cuento La Rebelión, escrito en Caracas en 1922, por la pluma magistral del gran Rómulo Gallegos.

Rómulo Gallegos y Pablo Neruda en Macondo,
la casa de Miguel Otero Silva, Caracas 1959.

Rómulo Ángel del Monte Carmelo Gallegos Freire (1884-1969) fue un novelista y político venezolano nacido en la ciudad de Caracas.

Por un período de nueve meses fue presidente electo de la república de Venezuela en 1948. De origen humilde Gallegos se inició como maestro, escritor y periodista en 1903.

Película mexicana de Fernando
de Fuentes en 1943.

Su novela Doña Bárbara fue publicada en 1929 de cuya crítica al dictador Juan Vicente Gómez le valió la salida forzada de su país.

El prestigioso Premio Internacional de Novela Rómulo Gallegos fue creado en su honor en 1964.

Otras obras, como Pobre Negro (1937) y Canaima (1935), han alcanzado gran difusión con traducciones a muchos idiomas. Varias de sus novelas han sido llevadas al cine, la televisión y el teatro. Sus cuentos y relatos breves, desafortunadamente, no son tan difundidos como sus novelas.

Durante doce años (1910-1922) Gallegos publicó treinta y tres cuentos, algunos de los cuales fueron incorporados como capítulos de su novela Reinaldo Solar (1913).

Mario Vargas Llosa recibiendo el premio del propio
Rómulo Gallegos en su primera edición en 1967.

jmc.

Ernest Hemingway (1899-1961) USA

2011-10-23T22:19:00.000-06:00

Foto de pasaporte en 1923

«Aunque soy católico nunca he tenido mucha admiración por los mártires o santos...
Una de las cosas buenas de la Iglesia, corríjanme si me equivoco, es que tienen un límite de tiempo definido antes de que podamos convertirnos en santos ...
Por supuesto, por otro lado, se permite la entrada de personas como Juana de Arco, que fueron la mierda de la vida, pero desarrollaron organizaciones maravillosas de publicidad después de su muerte.»

Extracto de una carta de Hemingway a Ernest Walsh —editor y promotor literario— en una aparente declaración de su fe religiosa, quizá motivada a raíz de su creciente interés en Pauline Pfeiffer —más tarde, su segunda esposa—, cuando aún estaba casado con Elizabeth Hadley, su primera esposa.

Ernest Miller Hemingway nació en Oak Park, Illinois, en 1899. Él hizo más para cambiar el estilo de la prosa en Inglés que cualquier otro escritor del siglo veinte, y por sus esfuerzos le fue concedido el Premio Nobel de Literatura en 1954. Hemingway escribió en frases cortas y aclarativas y era conocido por su prosa dura y escueta.

La publicación de The Sun Also Rises y A Farewell to Arms estableció de inmediato a Ernest Hemingway como una de las mayores luces de la literatura del siglo pasado. Como parte de la comunidad de expatriados en 1920 en París, el ex periodista y conductor de ambulancia durante la Primera Guerra Mundial, comenzó una carrera que le permitieron saltar a la fama internacional.

Con Antonio Ordoñez
en El Escorial en 1959

Hemingway era un aficionado a las corridas de toros y la caza mayor. Sus principales protagonistas eran siempre hombres y mujeres de coraje y convicción, que sufrieron heridas invisibles, tanto físicas como mentales. Cubrió la guerra civil española, retratándola en la ficción en Por quién doblan las campanas, y también cubrió la Segunda Guerra Mundial. Poco después de la publicación de El viejo y el mar en 1952, Hemingway se fue de safari a África, donde casi muere en un accidente de avión que lo dejó en el dolor y la convalecencia durante gran parte del resto de su vida.

Casa del escritor en Cuba

Hemingway se casó cuatro veces y dividía su residencia permanente entre Key West, Florida y la isla de Cuba durante la década de los treintas y los cuarentas, pero en 1959 se trasladó de Cuba a Ketchum, Idaho, donde se suicidó en el verano de 1961.

jmc.

Hablando de Fotografía (parte II)

2011-10-16T21:38:00.005-06:00

En mi reseña pasada les mencioné unos cuantos proyectos en los que estuve involucrado y también les propuse la interrogante ¿Qué tienen que ver los eventos musicales y gastronómicos con la fotografía o el arte? Pues bien, en esta entrega les explico a que me refiero con mi pregunta. Mi participación en estos eventos es evidentemente como fotógrafo. Para el festival de arte de Cherry Creek, mi equipo de fotógrafos y yo nos encargamos de documentar el evento por completo. El estilo fotográfico es “periodístico” - para definirlo de alguna manera - y tenemos la divertida tarea de visitar y disfrutar de todo el programa, fotografiando las actividades, arte y espectáculos que se presentan durante los tres días del festival.

Obviamente que la parte fotográfica está clara, pero, lo que me mantiene en ascuas - y a la espera del siguiente festival -, es el reto que se presenta al tomar fotos en eventos públicos, al aire libre y de participación masiva. Les explico, cuando estamos en una fiesta, por ejemplo, de seguro alguien toma fotos, pero luego cuando vemos esas fotos, notamos que los sujetos principales en la escena se camuflan y se difuminan en el plano posterior o “background” - como se le conoce en Inglés- , el tono de la piel y los colores de la imagen en general están distorsionados y el encuadre de la escena no es interesante. De igual manera, cuando estoy trabajando en este tipo de eventos, las condiciones fotográficas varían rápidamente, especialmente la luz. Su calidad y cantidad cambian constantemente. El encuadre se hace más difícil de obtener debido a la cantidad de gente en asistencia y a que las actividades se desenvuelven rápidamente, lo cual requiere anticipar la acción. El reto es documentar el acontecimiento de manera creativa y al mismo tiempo producir imágenes técnicamente correctas. Este tipo de eventos nos mantiene atentos como fotógrafos, nos ayudan a “ejercitar” los conocimientos técnicos fotográficos y nos ayudan a tomar decisiones rápidas.

Mientras trabajaba en mis proyectos, pensé que a mis lectores les serían útiles algunos puntos técnicos. Les aconsejo que para mejorar sus fotografías, en situaciones similares, presten atención a lo que está pasando detrás del sujeto principal. De manera que no haya una competencia entre el sujeto y el plano posterior. También procuren prestar atención a lo que se conoce como “líneas convergentes”, las cuales interceptan al sujeto - la rama de un árbol, o un poste de luz saliendo de la cabeza del sujeto, por ejemplo - , y por último, utilicen el flash de la cámara, especialmente si los sujetos están en la sombra o tienen una gorra o sombrero puesto - la típica escena en la playa, o en el parque donde no se distinguen bien las facciones del sujeto.

¿Sólo tienen una cámara de bolsillo? Muchas cámaras automáticas tienen la opción de poner el flash fijo, de manera que el flash dispare siempre, aunque estén en un sitio asoleado. Lean el manual de su cámara para aprender como hacer esto. Si no tienen el manual de la cámara, lo más seguro es que lo puedan encontrar haciendo una búsqueda en la Internet.

En mi siguiente artículo, les daré más “tips” para mejorar sus fotos. Dejen sus preguntas o comentarios debajo y les contestaré en mi próxima entrega.

“Tú no tomas una fotografía, la haces” – Ansel Adams.

fm.

Las imágenes utilizadas en este articulo para fines educativos son propiedad de su(s) autor(es).

Antología: You don’t have a clue (Latino Mystery Stories for Teens) - 2011

2011-10-08T17:57:00.001-06:00

El pasado mayo tuvimos la grata oportunidad de asistir a la promoción del libro de antología You don’t have a clue (Latino Mystery Stories for Teens) —dieciocho deliciosos cuentos de misterio para jóvenes— por escritores latinos residentes en distintas ciudades estadounidenses. Cabe destacar que estos escritores norteamericanos —a excepción de Bertha Jacobson que creció en México y el escritor y periodista Juan Carlos Pérez-Duthie que nació en Puerto Rico— están considerados entre lo más destacado de la literatura chicana y la literatura latina estadounidense contemporánea; son parte activa de movimientos literarios y docentes en importantes universidades e institutos en los Estados Unidos. Han participado en US Latino Literature, Latina and Latino Writing, Texas-Mexican Literature, Latino Mystery, Chicana and Chicano Studies, Texas Poetry, Society of Latino and Hispanic Writers, Indian Country Noir, Contemporary Southern California Literature, Sudden Fiction Latino, Chicano/Latino Literacy, entre otros.

Manuel Ramos (izquierda) y Mario Acevedo

El evento contó con la amena participación de los escritores latinos locales, Manuel Ramos y Mario Acevedo, los cuales, muy efusivamente, autografiaron y leyeron fragmentos de sus cuentos Back Up, y No Soy Loco, respectivamente.

Asimismo participaron niños de una escuela primaria local, los cuales tuvieron la envidiable oportunidad de leer sus propios micro cuentos de misterio, demostrando a los asistentes sus habilidades literarias de lozana inspiración creativa. Entre los admirables cuentos leídos por los niños en el evento presentado en la conocida librería Tattered Cover de Denver, podemos destacar Grave Yard de Jacob Ornelas, The Mysterious Kidnap de Kayna Valdez, y —la que más me impresionó— Laguna Negra, de la niña del octavo grado, Stephanie Peraza, la cual fue escrita en español.

En este alucinante e imprescindible libro, You don’t have a clue (Latino Mystery Stories for Teens), te puedes topar con historias, desde jovencitas desaparecidas, hasta secuestros y cuerpos desmembrados. Los jóvenes lectores —adultos también— encontrarán todo tipo de enigmas inimaginables. Hay un poco de todo, para todos: extraterrestres, fantasmas e inclusive hasta un dios azteca haciendo apariciones. Estas historias fantásticas, de escritores latinos —todas escritas en inglés—, atrapan el suspenso y la imaginación del lector hasta la última página.

Esta antología es el resultado del incansable trabajo literario de la editora Sarah Cortez y Piñata Books, impreso por la editorial Arte Público (2011), perteneciente a la Universidad de Houston en Texas.

Cortez es la autora del libro How to Undress a Cop —Cómo desnudar a un policía—, fue ganadora del PEN Texas Literary Award en poesía. Ha sido editora de varias antologías de misterio por escritores latinos. Sarah Cortez, como oficial de policía, no es extraña al crimen ni al misterio, tanto al ficticio, como al de la vida real. Actualmente vive y trabaja en Houston, Texas.

El escritor Manuel Ramos en la
librería Tattered Cover de Denver

Los dejo con la original e interesante lista de sus autores y sus obras, léanlos, no se arrepentirán:

No Soy Loco, de Mario Acevedo

No One Remembers, de Patricia S. Carrillo

For You, Mother, de Sarah Cortez

The Tattoo, de Alicia Gaspar de Alba

No Flowers for Marla, de Nanette Guadiano

As the Flames Rose, de Chema Guijarro

Losing Face, de Carlos Hernandez

A Starring Role, de Bertha Jacobson

All the Facts, A to Z, de Diana López

Hating Holly Hernandez, de R. Narvaez

Carbon Beach, de Daniel A. Olivas

The Librarian, de Juan Carlos Pérez-Duthie

The Red Lipstick, de L.M. Quinn

Back Up, de Manuel Ramos

The Right Size, de René Saldaña Jr.

Nuts, de Sergio Troncoso

Belle, de Ray Villareal

Valentine Surprise, de Gwendolyn Zepeda

Reseña escrita por: John Montañez Cortez

Fotografías: copyright © 2011 – Frank Montanez
http://www.facebook.com/ImagoPhotoStudio?sk=wall&filter=2
http://imagophotostudio.com/
Arte Público Press: http://www.latinoteca.com/arte-publico-press
Manuel Ramos links: http://home.comcast.net/~manuelramos3731/myhomepageindex.html
http://www.classical917.org/articles/1304007130-Classical-91.7-Arte-Publico-Author-of-the-Month-Manuel-Ramos.html
Latinoteca: http://www.latinoteca.com/code/artePublicoPress/Publications/showBookDetails?code=6929

Tomas Tranströmer (1931) - Suecia (Konungariket Sverige)

2011-10-06T05:46:00.000-06:00

Tomas Tranströmer

El escritor, poeta y traductor sueco Tomas Tranströmer acaba de ganar el Premio Nobel de Literatura 2011.

A pesar de que su producción literaria no es muy prolífica, la poesía de Tranströmer ha sido muy influyente en Suecia, así como en el resto del mundo.

Su trabajo se desarrolla dentro del lenguaje modernista, así como expresionista/surrealista, de la poesía del siglo veinte. En 1990, Tranströmer sufrió un derrame cerebral que le afectó el habla, pero él sigue escribiendo.

El Nobel le fue otorgado "ya que, a través de sus condensadas y translúcidas imágenes nos dan un acceso fresco a la realidad".

Felicidades a Tomas Tranströmer y al pueblo sueco.

jmc.

Franz Kafka (1883-1924) Praga (Österreichisch-Ungarische Monarchie)

2011-10-02T15:52:00.004-06:00

Quizá la fotografía más famosa
de escritor alguno.

«Mi querido Max:

Son las doce y media de la noche, en otras palabras, un momento inusual para escribir cartas, incluso en una noche tan caliente como esta. Las polillas ni siquiera vienen a la luz. Después de mis asoleados días felices en el bosque de Bohemia —las mariposas allá vuelan tan alto como las golondrinas de casa—, he estado en Praga cuatro días, y tan impotente. Nadie me soporta, y no soporto a nadie, pero lo segundo es sólo el resultado de lo primero; sólo tu libro, el cual estoy leyendo corrido, me hace bien. Se trata de un largo tiempo desde que no estaba en una miseria tan profunda, sin ningún tipo de explicación. Siempre y cuando siga leyendo, me aferro a ello, incluso si de ninguna manera intento socorrer a los infelices; pero si no hago esto, tengo tanta urgencia de ir a buscar a alguien que sólo me de una palmada amistosa, ayer fui a un hotel con una prostituta. Ella es demasiado vieja para sentir más melancolía; pero está triste, a pesar de que no se percata de ello, que uno no es tan amoroso con una puta como lo es con una amante. No le traje ningún consuelo, porque ella no me trajo ninguno.

Franz»

Max Brod

Una de las innumerables cartas que Kafka le enviaba a su amigo, biógrafo y editor póstumo, Max Brod. Muchas de sus cartas, como ésta de 1908, ponen de manifiesto las ambigüedades de sus complicadas relaciones con el sexo opuesto. Dan testimonio de sus deseos y sentimientos insatisfechos en lo que al mundo femenino se refiere.

El libro que Kafka hace referencia en esta carta es la novela Norne-pygge Castle (1908), escrita por su amigo Max Brod.

Escultura en bronce de Kafka,
en Praga.

Franz Kafka nació en 1883 en Praga, en el seno de una familia judía de habla alemana. En 1903 se licenció en Derecho, y a partir de 1908 trabajó en un instituto de seguros para accidentes de trabajo. En vida apenas llegó a publicar algunos de sus escritos. En 1922 obtuvo la jubilación anticipada por causa de la tuberculosis, enfermedad que lo llevó a la muerte en 1924 en el sanatorio de Kierling, cerca de Viena.
La obra de Kafka, entre las que se encuentran tres novelas, decenas de narraciones, borradores, aforismos y una copiosa correspondencia, fue publicada póstumamente por iniciativa de su amigo y albacea Max Brod, quién desobedeció el deseo expresado por Kafka de que se destruyeran todos sus textos.

La importancia de Kafka, y su condición de clásico indiscutible, no han hecho más que incrementarse con los años, hasta el extremo de ser únicamente considerado —por decirlo con palabras de Elias Canetti— como el escritor que más puramente ha expresado el siglo XX, y al que hay que considerar, por lo tanto, como su manifestación más esencial.

Franz Kafka

jmc.

Hablando de Fotografía

2011-09-25T19:55:00.006-06:00

Como muchos de ustedes saben, mi vocación es la fotografía, y por ende trato de estar al tanto de todos los acontecimientos referentes a este medio. He estado un poco ausentado del blog pero no completamente desconectado, pues lo leo constantemente. Durante mi corta ausencia, he estado trabajando en varios proyectos.

Después de la cobertura que hice del festival de Arte de Cherry Creek, tuve la fortuna de cubrir el festival de Food & Wine, también en la ciudad de Cherry Creek, un evento el cual disfruto mucho, no sólo por sus obvios beneficios, sino también por las conexiones que se hacen.

Este año el festival agregó la participación de pintores y músicos locales lo cual me dio mucho gusto ver que el evento de Food & Wine está expandiendo la participación a los artistas fuera del medio gastronómico, ayudando a difundir el talento local.

Luego de este evento, fui invitado por el baterista Donald Barthelemy, mejor conocido en el medio artístico como Dondada, para cubrir la banda Judge Roughneck durante el festival de Reggae en el anfiteatro de Red Rocks, a las afueras de Denver.

El anfiteatro en sí, es una obra de arte ya que está anidado en medio de una formación rocosa y la acústica que se produce es sin igual.

En fin, he estado ocupado con estos eventos y con varios clientes, pero me imagino que ustedes se preguntan, ¿Qué tiene que ver los eventos musicales y gastronómicos con la fotografía o el arte? ¿Cómo encaja el blog de Cervantes en todo esto? Tiene que ver mucho, pero les explicaré con más detalle en mi próximo artículo; así que estén pendientes…

www.imagophotostudio.com

www.facebook.com/ImagoPhotoStudio

El Principito - Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944) France

2011-09-18T20:52:00.004-06:00

Hace años, cuando era niño, leí El Principito por primera vez. Nunca pude aprenderme el nombre de su autor. Para mí, representaba algo largo y complicado de memorizar, pero el mensaje humano desperdigado por Antoine de Saint-Exupéry, aún sigue vigente cada vez que lo releo. Pues bien, anoche lo volví a leer y es sorprendente como sin importar cuantas veces lo repases —o en qué etapa de tu vida te encuentras— persistentemente te deja una moraleja nueva, una inspiración renovada, algo que reaviva el alma del ser humano.

Aunque superficialmente pareciera un libro para niños, El Principito hace varias observaciones profundas e idealistas de la vida y la naturaleza humana. Por ejemplo, Saint-Exupéry nos habla de un encuentro con un zorro, cuando el joven príncipe sale del desierto del Sahara. La esencia de la historia está contenida en el secreto que el zorro regaló al principito: “Uno sólo ve claramente con el corazón. Cualquier cosa esencial es invisible a los ojos.”
Otros mensajes temáticos principales son articulados por el zorro, tales como: "Eres responsable de mí para siempre, por lo que me has domesticado" y "el tiempo que has dedicado a la rosa hace que tu rosa sea tan importante”.

Saint-Exupéry en Canadá en 1942

En otra sección metafórica del cuento, cuando el joven príncipe decide visitar los seis asteroides (325, 326, 327, 328, 329, y 330) habitados sólo por: un rey (representa la autoridad, juzgar siendo justos), un vanidoso (representa la vanidad del ser humano), un borracho (representa la forma de enfrentar los problemas) —Saint-Exupéry mismo tuvo problemas de bebida e infidelidad—, un hombre de negocios (representa la avaricia), un farolero (representa la rutina, hay que dar valor a lo que nos rodea), y un geógrafo (representa la sabiduría de la experiencia), respectivamente; pareciera que da una connotación simbólica a cómo te sentirías —o qué lección debes aprender— por cada día de la semana. Coincidentemente en el sexto asteroide, el geógrafo le recomienda al principito visitar al planeta Tierra, es decir, el séptimo asteroide, el séptimo día, domingo —del latín dies Dominicus (día del Señor)—, también día de descanso (excepto en la cultura musulmana y judía, claro), ese fue el día, la séptima visita, justo a nuestro planeta, donde hallaría cosas y personajes interesantes. Justo donde se encontraría con el narrador de la historia. Existen otros personajes relevantes, además del zorro, como la serpiente, que representa la muerte.

Las interpretaciones psicológicas, filosóficas y hasta religiosas de esta obra fundamental de la literatura universal, son muy diversas y variadas. Todo depende de nuestra interpretación personal de la vida. Pero de algo sí estoy seguro —aparte de que nunca olvidaremos al asteroide B-612, hogar del principito—, vivimos en el mundo complicado de los adultos y a veces olvidamos que todos aún llevamos un niño dentro del alma.

El escritor carioca Paulo Coelho no pudo haberlo dicho mejor, en una nota que me escribió, hace un par de años, y cito: «Estimado John: Cuando aprendemos nuestra lección diaria, necesitamos combinar el entusiasmo infantil con la sabiduría de la experiencia».

Trama:

El narrador, cuando era un niño, dibujó una boa comiendo un elefante. Sin embargo, no se advierte desde el dibujo, cuando todos los adultos que lo miran, sólo ven la imagen de un sombrero, en su lugar. El narrador intenta explicar su primer dibujo con otra representación que muestra claramente al elefante dentro de la boa, disgustando a los adultos como resultado. Por lo tanto, decide convertirse en un piloto, que finalmente conduce a un accidente en el desierto del Sahara.

En el desierto, el narrador conoce al principito, que le pide que dibuje una oveja. Sin saber cómo dibujar una oveja, el narrador le muestra la imagen del elefante en la serpiente. Para sorpresa del narrador, el príncipe reconoce el dibujo de lo que es. Después de varios intentos fallidos de dibujar una oveja, el narrador dibuja una caja en su frustración, afirma que la caja tiene en su interior la oveja. Otra vez para sorpresa del narrador, el príncipe está encantado con el resultado.

El principito describe el asteroide —o planeta—, que es su hogar. El asteroide tiene el tamaño de una casa, tres volcanes (dos activos y uno inactivo) y una rosa, entre varios otros objetos. Este asteroide se llama B-612. El príncipe pasa sus días cuidando al asteroide, sacando los árboles baobab que constantemente intentan echar raíces allí. El príncipe se enamora de la rosa, que parece no corresponder a su amor debido a su naturaleza vana. El príncipe pierde su confianza en la rosa después de que ella le miente, y se siente solo.

Después de que se reconcilia con su rosa, el príncipe logra ver cómo es el resto del universo. Visita a seis otros asteroides, cada uno de ellos habitado por un adulto estúpido. El sexto asteroide está habitado por un geógrafo, que pide al príncipe que describa su casa. Cuando el príncipe le menciona la rosa, el geógrafo explica que él no registra flores, calificándolas de "efímero". El príncipe está conmocionado y afectado por esta revelación. El geógrafo le recomienda visitar la Tierra.

En la Tierra, el príncipe conoce a una serpiente que dice tener el poder para devolverlo a su planeta de origen, aunque el príncipe se niega a esta oferta. El príncipe se encuentra con una flor del desierto, que le dice que sólo hay un puñado de hombres en la Tierra y que no tienen raíces, dejando que el viento sople a su alrededor y llevando una vida difícil. El príncipe se sube a la montaña más alta que jamás haya visto, con la esperanza de ver todo el planeta y encontrar gente. Sin embargo, sólo ve un paisaje desolado. Cuando el príncipe habla en voz alta, su eco le responde y lo confunde con las voces de otros seres humanos.

Finalmente, el príncipe se encuentra con toda una fila de rosales y se siente abatido porque pensaba que su rosa era única. Comienza a sentir que no es un gran príncipe, ya que su planeta contiene sólo tres volcanes pequeños y una flor que ahora piensa que es común. Se acuesta en la hierba y llora.

Con los sollozos del príncipe, un zorro se encuentra con él. El príncipe domestica al zorro, quien le explica que su rosa es realmente única y especial, porque es aquel a quien el príncipe ama. El zorro le explica que, en cierto modo, el príncipe ha domado a la flor, y que por eso el príncipe ahora se siente responsable de ella.

El príncipe se encuentra con un guía ferroviario y un comerciante. El guía le dice al príncipe que los pasajeros que constantemente van corriendo de un lugar a otro a bordo de los trenes, nunca están satisfechos con donde están y no saben lo que buscan. Sólo los niños se toman la molestia de mirar por las ventanas. El comerciante le dice al príncipe sobre su producto, una píldora que elimina la sed y es muy popular, ahorrándole a la gente cincuenta y tres minutos a la semana. El príncipe responde que iba a usar el tiempo para caminar y encontrar agua dulce.

De vuelta al presente, el narrador se está muriendo de sed, hasta que encuentra un pozo con la ayuda del príncipe. El narrador descubre posteriormente que el príncipe habla de su regreso a casa con una serpiente. Ofrece una emotiva despedida al narrador y afirma que si se ve como si hubiera muerto, es porque su cuerpo es demasiado pesado para llevarlo con él a su planeta. El príncipe advierte al narrador que no venga cuando tenga que irse, ya que lo entristecería mucho. El narrador, dándose cuenta de lo que sucederá, se niega a dejarlo solo. El príncipe le permite a la serpiente morderlo y cae sin hacer ruido.

A la mañana siguiente, el narrador trata de buscar al príncipe, pero es incapaz de encontrar su cuerpo. La historia termina con un retrato del paisaje en el que el príncipe y el narrador se encontraban y donde la serpiente se llevó la vida del príncipe. El narrador hace un llamado a que cualquier persona que encontrase a un niño extraño en esa zona, el cual se niega a responder preguntas, deben comunicarse con el narrador de inmediato.

Posible inspiración:
En El Principito, Saint-Exupéry habla acerca de ser abandonados en el desierto junto a un avión que se estrelló. Este relato se inspira claramente en su propia experiencia en el Sahara, una prueba que se describe en detalle en su libro de memoria Del viento, la arena y las estrellas.

El 30 de diciembre de 1935, después de 18 horas y media en el aire, Saint-Exupéry, junto con su navegante André Prévot, se estrelló en el desierto del Sahara libio. Intentaban romper el récord para el vuelo de París a Saigón y ganar un premio de 150 mil francos. Ambos sobrevivieron al accidente, sólo para hacer frente a una rápida deshidratación. Sus mapas eran primitivos y ambiguos. Quedaron perdidos en el desierto con algunas uvas, una sola naranja, y algo de vino. Al cuarto día, y completamente deshidratados, un beduino en su camello los descubrió y les administró un tratamiento de rehidratación nativo que les salvó la vida a ambos.

Consuelo y Antoine

En el caso de la rosa, fue inspirado por su esposa salvadoreña Consuelo de Saint Exupéry y el pequeño planeta natal fue inspirado en su pequeña casa de campo en El Salvador, que es también conocida como "La Tierra de los Volcanes".

Biografía:
Antoine Marie Jean-Baptiste Roger de Saint-Exupéry (Lyon 1900 – Mar Mediterráneo 1944), fue un escritor francés, poeta y aviador pionero. Es más recordado por su novela El Principito (Le Petit Prince) y por sus escritos de aviación lírica, como Vuelo nocturno, y Viento, la arena y las estrellas.

Era un piloto comercial con éxito antes de la Segunda Guerra Mundial. Se unió a la Armée de l'Air (Fuerza Aérea Francesa) en el estallido de la segunda guerra mundial, volando misiones de reconocimiento hasta el armisticio con Alemania.

Sus trabajos literarios, entre ellos El Principito (todas las ilustraciones del libro, incluyendo la portada, fueron dibujadas por el propio autor), han sido traducidos a más de 190 idiomas, impulsado su estatura póstuma. Después de la guerra logró alcanzar el estatus de héroe nacional en Francia. Su obra ha sido muy difundida, con mayor reconocimiento ganado debido a las traducciones internacionales de sus otros trabajos. Su libro de memoria (1939), Terre des hommes, se utilizó para crear el tema central de la Exposición Internacional de 1967 en Montreal, Canadá. La Expo 67, fue la Feria Mundial más exitosa del siglo veinte.

Luego de varios escritos, tras una estadía en los Estados Unidos, se unió a las Fuerzas Francesas Libres. La tarde del 31 de julio de 1944, Antoine de Saint-Exupéry se desvaneció en su F-5B P-38 de la francesa Armée de l'Air's, después de salir de Borgo-Porreta, Bastia, Córcega. Su estado de salud, tanto física como mentalmente, había estado en deterioro. Se decía que estaba sujeto a una depresión intermitente y se había hablado de quitarle su permiso de vuelo. En 2000, un buzo francés encontró los restos parciales de su aeronave en el mar Mediterráneo, frente a la costa de Marsella.

Mark Twain (1835-1910)

2011-09-04T17:46:00.002-06:00

Mark Twain, photo by A. F. Bradley
New York, 1907

«Me complació sobremanera cuando la Universidad de Yale me hizo Maestro de las Artes, porque yo no sabía nada acerca del arte. Tuve otra convulsión de placer cuando Yale me hizo un Doctor en Literatura, porque yo no era competente para medicar la literatura de nadie mas que la mía, yo ni siquiera podía mantener mi propia literatura en un estado saludable sin la ayuda de mi esposa.

Me alegré de nuevo cuando la Universidad de Missouri me hizo un Doctor en Derecho, porque fue todo ganancia, no saber nada acerca de las leyes, salvo la forma de evadirlas sin que te pillen. Y ahora, en Oxford, voy a ser un Doctor en Letras, pura ganancia, porque lo que no sé acerca de las letras me harían multimillonario si pudiera convertirlas en dinero en efectivo».

Samuel Langhorne Clemens (1835-1910), más conocido por su seudónimo de Mark Twain, fue un escritor y humorista estadounidense. Él es más conocido por sus novelas, Las aventuras de Tom Sawyer (1876), y su secuela, Las aventuras de Huckleberry Finn (1885), esta última a menudo llamada "la gran novela americana".

Alcanzó un gran éxito como escritor y orador público. Su ingenio y la sátira le valió los elogios de la crítica y sus compañeros, fue amigo de presidentes, artistas, empresarios y la realeza europea. Sin embargo, le faltaba perspicacia financiera. A pesar de que hizo una gran cantidad de dinero de sus escritos y conferencias, lo dilapidaron en diversas empresas y se vio obligado a declararse en quiebra. Con el tiempo y con la ayuda de Henry Huttleston Rogers superó sus problemas financieros. Twain trabajó duro para asegurar que todos sus acreedores fueran pagados en su totalidad, a pesar de que su quiebra le había relevado de la responsabilidad legal.

Twain nació durante una visita del cometa Halley, y predijo que iba a "irse con ella", así. Murió al día siguiente posterior regreso del cometa. Él fue alabado como "el mayor humorista americano de su época". William Faulkner nombró a Twain como "el padre de la literatura estadounidense."

jmc.

Memoria del saqueo dirigída por Fernando Pino Solanas 2003

2011-08-14T12:02:00.015-06:00

Antes de empezar a desgranar el documental Memoria del saqueo que tengo el gusto de recomendarles, me gustaría retroceder en las vidas de dos personas claves de este film, el ex presidente argentino Eduardo Saúl Menem y el director y narrador Fernando Pino Solanas.

Eduardo Saúl Menem nació en Anillaco provincia de la Rioja, Argentina en 1930. De descendencia Siria, estudió abogacía en la Universidad Nacional de Córdoba. Conocido públicamente en 1955 por defender a presos políticos durante el gobierno militar de la Revolución Libertadora y fue detenido por dicha dictadura militar en 1956 y fundó en el 1957Juventud Peronista en su provincia de La Rioja, colaborando también como asesor legal en varios sindicatos, entre ellos la CGT. Con la vuelta de la democracia, en 1973 fue elegido gobernador de La Rioja y en 1976, con la llegada de la dictadura de Jorge Videla fue encarcelado durante 5 años y confinado en una pequeña localidad hasta 1981. En 1983 con la vuelta de la democracia, Eduardo Saúl Menem volvió a ser elegido como gobernador de La Rioja y en 1988 ganó el proceso interno de su partido, el Frente Justicialista Popular para presentarse a las elecciones generales que ganó en 1989 con el 47% de los sufragios. Gracias a la reforma constitucional de 1994 aprobada por su gobierno, Eduardo Saúl Menem pudo presentarse como candidato en 1995. De ese modo pudo ser presidente de la República Argentina desde 1989 hasta 1999.

Fernando Pino Solanas nació en Olivos, provincia de Buenos Aires en 1936. De su amplia trayectoria como director cabe destacar la trilogía sobre el liberalismo y la violencia en Argentina y en América Latina, titulada ¨La Hora de los Hornos¨ que realizó clandestinamente en 1968. En 1985, rodó la película ¨Tangos…El exilio de Gardel¨, con la que obtuvo los más importantes galardones del Festival de Cine de Venecia y en el de La Habana. En 1988 filmó ¨Sur¨ con la que consiguió el Premio a mejor director en el Festival de Cannes. En 2004 Pino Solanas presenta ¨Memoria del saqueo¨ en el Festival de Cine de Berlín, donde es premiado con el Oso de Oro por toda su trayectoria. También recibió el Premio a Mejor Documental, en el Festival de Cine Latinoamericano de Los Ángeles. De su vida política se puede afirmar que es abiertamente anticapitalista y comprometido con la política de su país. A raíz de ser tiroteado por dos desconocidos el 21 de mayo de 1991 tras criticar a Menem en un artículo de prensa, Fernando Pino Solanas decide presentarse al año siguiente como candidato a senador por la ciudad de Buenos Aires. En 2007 fue candidato a Presidente de la República Argentina por Proyecto Sur. El 7 de Diciembre del 2010, lanzó su candidatura electoral para la presidencia, pero finalmente, en Mayo decidió competir por la Ciudad de Buenos Aires como candidato a Jefe de Gobierno.

En Memoria del saqueo se deshilacha los hechos que acaecieron en argentina desde la llegada a la presidencia de Eduardo Menem en 1989 hasta el gobierno de Francisco de la Rúa 2002. Técnicamente el documental se desarrolla con planos cortos en las entrevistas. Los planos abiertos y movimientos circulares son usados cuando se filma el parlamento o el senado argentinos, que con la ayuda de la arquitectura colonial hacen sentir indignación al espectador. Los travellings lentos y planos aéreos abiertos son utilizados cuando se ruedan en las fábricas y en los pasillos del parlamento, dando una sensación de vacío y soledad muy interesante. Al combinar imágenes de televisión en su largometraje, el director consigue más velocidad e intensidad, que dan fuerza a la narración. Cabe destacar el arduo trabajo de investigación que se realizó para hacer el documental. Con la ayuda de Alcira Argumedo, se ha dado una información muy concreta, obtenida de fuentes oficiales tanto argentinas como internacionales, que en algún momento puede llegar a cansar. Con una narración clara y precisa, el documental se divide en capítulos como si de un libro se tratara, siendo fácil de seguir y de reconstruir en conversaciones con los amigos. Por ultimo resaltaría la música que a cargo del compositor Gerardo Gandial, es una gran acompañante que te sumerge en el film.

En este largometraje se denuncian los abusos que padeció el pueblo argentino a manos de sus dirigentes, que exprimieron la vaca argentina con la connivencia del FMI, el Banco Mundial, multinacionales y organismos internacionales, hasta dejarla completamente flaca y desnutrida. Descapitalizando y empobreciendo a uno de los mayores productores de energía y alimentos del mundo. Francisco Pino Solanas desenmascara a los autores de estos ¨crímenes de lesa humanidad¨ y nos muestra la crueldad con la que la clase política Argentina actuó impunemente. Frente a la falta de transparencia, complicidad judicial y el blanqueo de dinero, no se oyó ni una palabra crítica en boca de los grandes medios de comunicación. En esta película se nos muestra como la clase política no duda en traicionar al pueblo argentino e enriquecerse a costa de generar la más alta pobreza que este país haya vivido en su historia. No apta para estómagos sensibles.

Ramon Hernández i Ferrer

William Faulkner (1897-1962)

2011-08-01T17:02:00.002-06:00

William Faulkner

«¿Por qué está a un centenar de

kilómetros de distancia?

Ese es un largo camino por

recorrer sólo para comer».

Excusa que dio el famoso novelista estadounidense ―Premio Nobel en Literatura 1949― William Faulkner al declinar una invitación del presidente John F. Kennedy, y de la Primera Dama, a una cena de gala en la Casa Blanca, como un homenaje a los galardonados por el Premio Nobel del hemisferio occidental, la noche del 29 de abril de 1962. Paradójicamente dicha gala se realizó sesenta y ocho días antes de que falleciera Faulkner en Byhalia, Mississippi.

John y Jacqueline Kennedy flanqueados por
Pearl Buck y el poeta Robert Frost

Esa noche se encontraban, entre los eminentes homenajeados, Alexis Leger, poeta francés y Premio Nobel en Literatura 1960; y Pearl Buck, novelista estadounidense y Premio Nobel en Literatura 1938. No podemos dejar sin mencionar a otros importantes invitados norteamericanos, como: James Baldwin, escritor; John Dos Passos, novelista; Robert Frost, poeta; y la viuda del escritor Ernest Hemingway; entre otros.

jmc.

Poesía: Cuando éramos niños - Mario Benedetti (1920-2009) Uruguay

2011-07-24T11:48:00.002-06:00

Mario Benedetti

Cuando éramos niños
los viejos tenían como treinta
un charco era un océano
la muerte lisa y llana no existía.

luego cuando muchachos
los viejos eran gente de cuarenta
un estanque era un océano
la muerte solamente una palabra.

ya cuando nos casamos
los ancianos estaban en los cincuenta
un lago era un océano
la muerte era la muerte de los otros.

ahora veteranos
ya le dimos alcance a la verdad
el océano es por fin el océano
pero la muerte empieza a ser la nuestra.

Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia (1920-2009) nació en Uruguay. Fue un destacado poeta, novelista, dramaturgo, cuentista y critico literario. Junto con Juan Carlos Onetti, Idea Vilariño y otros, formó parte de la Generación del 45. Fue una de las figuras más relevantes de la literatura uruguaya —y del mundo de habla hispana— de la segunda mitad del siglo pasado.

Su prolífica producción literaria incluyó más de ochenta libros, algunos de los cuales fueron traducidos a más de veinte idiomas. Su extensa obra abarcó los géneros narrativos, dramáticos, poéticos y ensayos. Su voz, recitando sus poemas, fue grabada en compañía de Daniel Viglietti o en solitario. El cantautor Joan Manuel Serrat musicalizó varios de sus poemas en el disco El sur también existe.

jmc.

El agente secreto - Joseph Conrad (1857-1924)

2011-07-03T23:54:00.000-06:00

Hace unos años leí en una página web —o quizá habrá sido en algún blog trasnochado, no lo recuerdo— una recopilación de novelas recomendadas por el actual nobel peruano, don Mario Vargas Llosa, como parte de un programa radial sobre literatura, fomentando la lectura en el proceso. En esa lista se encontraba El agente secreto —publicada en 1907—, del inmortal novelista inglés Joseph Conrad. Me propuse leerla en español hasta que encontré una edición de la editorial Lectorum —loable el prólogo de Alejandro Toledo—, pero desafortunadamente, en mi opinión personal, la traducción de Catherine Seeleg, deja sus dudas.

La historia de esta novela está ambientada en Londres en 1886 y se ocupa en gran medida a la vida del señor Verloc y su trabajo como espía. El agente secreto es también importante, ya que es una de las novelas posteriores a las típicas historias de navegación con las que Conrad se hizo conocido.

Básicamente la novela trata, en general, con las nociones del espionaje internacional, el anarquismo y el terrorismo; temas que en las actuales circunstancias de globalización terrorista, como herramienta de intimidación sectaria y violenta, cobra más relevancia que nunca. Conrad intenta retratar a los grupos anarquistas revolucionarios previos a los muchos levantamientos sociales del siglo XX. Sin embargo, también se ocupa de la explotación, en particular con respecto a la relación del señor Verloc con su joven e inocente cuñado Stevie.

Por el tema terrorista, El agente secreto, fue señalada como "una de las tres obras de la literatura más citada en los medios de comunicación estadounidenses" durante las dos semanas siguientes a los atentados del 11 de septiembre de 2001. La novela fue catalogada como la número 46 entre las mejores del siglo veinte, por la Modern Library.

El doctor Richard Niland —profesor de la universidad escocesa University of Strathclyde— examina, en su reciente libro Conrad and History (Oxford University Press, 2010), la filosofía de la historia y el tema de la nación en la literatura de Joseph Conrad. El agente secreto es una de las novelas donde se explora la importancia de la filosofía romántica polaca (identidad nacionalista) en el desarrollo de la literatura conradiana.

«Conrad yuxtapone —escribe Niland— su creencia en una identidad heredada de nacionalidad polaca, que se derivan de Herder y Rousseau, con un cuestionamiento escéptico del nacionalismo moderno en el contexto europeo y de América Latina: Nostromo presenta la creación del Estado-nación moderno de Sulaco, El agente secreto explora el tema de los "extranjeros" y la nacionalidad en Inglaterra, mientras Under Western Eyes constituye un intento sistemático para socavar la identidad nacional rusa».

Desde el plano de vista personal, psicológico y moral de las relaciones y los sentimientos humanos —depende de cómo cada lector se identifica con las diversas situaciones donde los personajes interactúan—, pienso que hay de todo un poco y para todos los gustos.

Joseph Conrad (1857-1924) —nacido Józef Teodor Konrad Korzeniowski—, fue un novelista Inglés, nacido en Berdyczów, Imperio Ruso polaco para entonces y actual Ucrania. Conrad es considerado como uno de los grandes novelistas en la lengua de Shakespeare, aunque no habló el idioma con fluidez hasta que tuvo veinte años —siempre con un marcado acento polaco—. Escribió cuentos y novelas, sobre todo bajo un toque náutico o litoral, que representan los juicios del espíritu humano por las exigencias del deber y del honor.
Conrad fue un estilista de la prosa maestra que trajo una sensibilidad claramente trágica —no inglesa— a la literatura en Inglés. Si bien algunas de sus obras tienen un corte de romanticismo, es visto como un precursor de la literatura modernista. Su estilo narrativo y los personajes anti-héroe han influido en muchos autores.
Sus novelas han inspirado adaptaciones al cine, el teatro y la televisión: Victory, Lord Jim, The Secret Agent, An Outcast of the Islands, The Rover, Shadow Line, The Duel, Heart of Darkness, Nostromo, y Almayer's Folly.

Conrad escribió en el apogeo del Imperio Británico, se basó en sus experiencias en la Marina Francesa y más tarde en la Marina Mercante Británica para crear cuentos y novelas que reflejan aspectos de un vasto imperio mundial al mismo tiempo de sondear las profundidades del alma humana.

jmc

Aleksandr Isayevich Solzhenitsyn (Солжени́цын) (1918-2008) RSFS de Rusia

2011-06-29T10:01:00.000-06:00

Premio Nobel de Literatura 1970

«Nunca se debe dirigir a la gente hacia la felicidad, porque la felicidad es también un ídolo del mercado. Uno debe orientarlos hacia el afecto mutuo. Un animal royendo su presa puede ser feliz también, pero sólo los seres humanos pueden sentir afecto por los demás y éste es el logro más alto a que se puede aspirar».

jmc

Vladimir Nabokov (1899-1977) - Imperio Ruso

2011-06-15T09:45:00.000-06:00

Nabokov

«Happy is the novelist who manages to preserve an actual love letter that he received when he was young within a work of fiction, embedded in it like a clean bullet in flabby flesh and quite secure there, among spurious lives».

Vladimir Vladimirovich Nabokov fue un novelista ruso multilingüe y escritor de cuentos. Nabokov escribió sus primeras nueve novelas en ruso, a continuación, saltó a la fama internacional como un estilista de prosa maestra en inglés. También hizo contribuciones a la entomología y tenía un interés en los problemas de ajedrez.

Lolita (1955), es frecuentemente citada como una de sus novelas más importantes y es la más conocida, mostrando el amor de los juegos de palabras complejas y detalles sinestésicos que caracterizan todas sus obras. La novela se ubicó en el No.4 en la lista de la “Modern Library” de las 100 mejores novelas. Pálido fuego (1962) se ubicó en el puesto No.53 en la misma lista. Sus memorias, Habla-Memoria, se incluyó en el puesto No.8 en la lista de “no ficción” de la biblioteca moderna.

jmc

Cherry Creek Arts Festival

2011-06-07T19:42:00.010-06:00

Durante el fin de semana del cuatro de Julio, cada año descienden en nuestra hermosa ciudad de Denver, artistas nacionales e internacionales para competir en el evento cultural más cotizado de los Estados Unidos, el Cherry Creek Arts Festival.

Por más de veinte años, este reconocido y premiado festival de arte, ha celebrado las artes visuales, plásticas y culinarias. Con más de dos mil artistas solicitantes este año, el festival de Cherry Creek es uno de los eventos artísticos más cotizados a nivel nacional, sólo doscientos treinta artistas son elegidos para participar y competir en el evento. Todas las solicitudes son cuidadosamente y objetivamente evaluadas ―de manera anónima― por un panel de jueces. De más está decir que entre los jueces hay artistas, críticos, coleccionistas de arte, directores y/o dueños de galerías, y personas que de una u otra manera están involucradas en el medio artístico. Luego de la ardua y competida selección, sólo los elegidos tienen el privilegio de participar en tan preciado evento.

Este año, de entre los afortunados, ocho de ellos se están lanzando como artistas en su medio. Diecisiete son artistas de Colorado y setenta y ocho son participantes noveles.

El Festival de Arte Cherry Creek, el cual esta ubicado en la urbanización Cherry Creek North ―justo enfrente del centro comercial del mismo nombre― está delimitado al Sur por la calle 2da, al Norte por la calle 3ra, al Oeste por la calle Clayton y al Este por la calle Steele. Este evento, al aire libre, aparte de la obvia selección impresionante de arte, también tiene demostraciones culinarias, conciertos, danzas, entretenimiento y manualidades para toda la familia, incluyendo a los pequeños artistas, los cuales gozan de una sección exclusiva del festival llamada “Activity Avenue” localizada en la calle Milwaukee, allí los niños pueden trabajar en diferentes proyectos dirigidos por una brigada de voluntarios y también pueden deleitarse con la música y el entretenimiento orientados especialmente para ellos.

El festival también goza de una calle dedicada a la gastronomía, “Culinary Row”, ubicada en la calle St.Paul; los visitantes pueden saborear ―por un precio nominal― la cocina de varios restaurantes reconocidos y ganadores de premios culinarios. Hay aperitivos, platos fuertes y postres disponibles, al igual que bebidas con y sin alcohol.

Sin duda alguna, este prestigioso evento, pone al alcance de todos, un sin fin de piezas de arte, desde las tradicionales artes visuales hasta técnicas experimentales en media mixta. Los artistas responden a nuestras preguntas y nos brindan una ventana a todas sus técnicas y explican como desarrollaron sus piezas, información invaluable para lo amantes del arte. Todas las piezas de arte están a la venta, incluyendo textiles, joyería y hasta muebles para el hogar. Muchas de estas piezas son únicas.

¡Pero esperen, aún hay más! El horario normal del festival es de 10 AM a 8 PM para el sábado y el domingo, pero al caer el sol “The Festival Nights” mantienen vivo el calor con conciertos hasta las 10 de la noche. ¿Les gusta hacer ejercicios? ¿Que tal unas clases gratis de Tai Chi, Yoga o Zumba? A partir de las 8:00 AM del Sábado, Domingo y Lunes, los visitantes del festival pueden participar de estos talleres de ejercicios; ¿Qué es lo mejor de todo esto? Que gracias a las generosas donaciones de sus patrocinadores y gracias a la invaluable dedicación y trabajo de cientos de voluntarios, el festival y sus actividades son completamente gratuitas.

Por último, en mis seis años de participación en este evento, he visto cuan satisfechos sus visitantes quedan. El festival tiene de todo y para todos. Los invito a conocer y experimentar las artes de una manera informal y personal.

Para mayor información visiten http://www.cherryarts.org/, o dejen sus comentarios o preguntas aquí, les mantendré informados.

La última carta de Virginia Woolf (1882-1941) England UK

2011-05-30T22:12:00.001-06:00

Virginia Woolf

«Querido,

Estoy segura que me estoy volviendo loca otra vez. Siento que no podemos pasar por otro de esos terribles momentos. Y no me voy a recuperar esta vez. Empiezo a oír voces y no puedo concentrarme. Así que estoy haciendo lo que parece ser la mejor cosa por hacer. Me has dado la mayor felicidad posible. Has estado en todos los sentidos en todo lo que cualquiera podría ser. No creo que dos personas podrían haber sido más felices hasta que llegó esta terrible enfermedad. No puedo luchar por más tiempo. Sé que estoy destrozando tu vida, que sin mí podrías trabajar. Y lo harás lo sé. Ves ni siquiera puedo escribir esto correctamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que te debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido completamente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decir… quiero que todos lo sepan. Si alguien me hubiera salvado, habrías sido tú. Todo se ha ido de mí excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida por más tiempo.

No creo que dos personas podrían haber sido más felices de lo que hemos sido.

V».

Virginia y Leonard Woolf

En esta dramática nota —tomada de la extraordinaria biografía Virginia Woolf: A Biography, por su sobrino Quentin Bell y traducida al español por este servidor— están las últimas palabras escritas por Woolf a su esposo Leonard, en su casa, la fría y despejada mañana del viernes 28 de marzo de 1941. Minutos antes había escrito dos cartas, en su famoso estudio del jardín, a las dos personas más queridas por ella: Leonard y Vanessa, su hermana mayor y madre de Quentin Bell. En ambas cartas ella explicó que oía voces, que estaba convencida que nunca podría recuperarse y que no podía continuar arruinando la vida de su marido.

Como a las 11:30 puso la carta sobre la chimenea de la sala, salió llevando consigo su bastón de caminar y atravesó las praderas de agua hasta el río cercano. Leonard creía que ella pudo haber hecho al menos un intento anterior por ahogarse, si así fue, ciertamente había aprendido de sus fallas y esta vez estaba determinada ha lograrlo. Dejando su bastón en la orilla forzó una enorme roca en el bolsillo de su abrigo. Luego se fue a su muerte, “la única experiencia”, como ella decía, “de nunca describir”.

Habitación de Virginia Woolf en Monk's House

Adeline Virginia Woolf fue una escritora inglesa, ensayista, editor y escritora de cuentos, considerada como una de las principales figuras literarias modernistas del siglo XX. Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura importante en la sociedad literaria de Londres y miembro del conocido Círculo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas: La señora Dalloway (1925), Al faro (1927) y Orlando (1928), y el ensayo Una Habitación Propia (1929), con su famoso dictamen, "Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si quiere escribir ficción."

Virginia Woolf y T.S. Eliot

Virginia Stephen se casó con el escritor Leonard Woolf en 1912. A pesar de su material de condición baja —Woolf se refiere a Leonard, durante el compromiso, como “Judío sin dinero”—, la pareja compartió un estrecho vínculo. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: "Hacer el amor - después de 25 años no puedo soportar estar separados ... ves, es un enorme placer ser querida: una esposa. Y nuestro matrimonio, tan completo".

Los dos también colaboraron profesionalmente, en 1917 fundaron Hogarth Press, la cual posteriormente publicó novelas de Virginia, junto a trabajos de T.S. Eliot, Laurens van der Post y otros.

Woolf pasó a publicar novelas y ensayos como intelectual público, alcanzando ambos éxitos, de la crítica y del público. Gran parte de su trabajo fue auto-publicado por la editorial Hogarth. Ha sido aclamada como uno de los más grandes novelistas del siglo XX y uno de los modernistas ante todo.

En la portada: Retrato de
Virginia Woolf por Vanessa Bell

Las peculiaridades de Virginia Woolf, como escritora de ficción, han tendido a oscurecer su fuerza central: Woolf es sin duda la gran novelista lírica en el idioma Inglés. Sus novelas son muy experimentales: una narrativa, con frecuencia sin incidentes y corriente, se refracta —casi se disuelve— en la conciencia receptiva de los personajes. El lirismo intenso y el virtuosismo estilístico se funden para crear un mundo con sobreabundancia de impresiones auditivas y visuales.

Después de terminar el manuscrito de su última novela Entre actos —publicada póstumamente—, Woolf cayó en una depresión similar a la que había experimentado antes. El inicio de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz, aunado a la fría recepción dada a su biografía de su difunto amigo Roger Fry, hicieron que su estado empeorara hasta que ella no pudo trabajar. El 28 de marzo Woolf entró al río Ouse, cerca de su casa y se ahogó. El cuerpo de Woolf no fue encontrado hasta el 18 de abril de 1941. Su esposo enterró los restos cremados en un olmo en el jardín de la Monk’s House, su hogar en Rodmell, Sussex, Reino Unido.

Monk's House a las afueras de Rodmell, Sussex, UK

Para más información sobre la casa de Virginia y Leonard Woolf pueden visitar: http://www.nationaltrust.org.uk/main/w-monkshouse

jmc